Ausstellungen Museen

Die Stipendiaten präsentieren die Ergebnisse ihrer Kunstprojekte: „Social Bench/Bank Heat“ von Malte Bartsch, „Buchsbaumanalyse“ von Oliver Gather, „KunstVerzehr“ von Claudia Schmitz & Käthe Wenzel und „Das Gravenhorster MALBUCH“ von Dieter Call & Anja Voigt.

DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst (Hörstel)

Einmal im Jahr treffen preisverdächtige Poetry Slammer im DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst aufeinander und liefern sich einen wortgewandten Wettstreit – wer gewinnt, entscheidet das Publikum.

DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst (Hörstel)

Im Dialog der Wissenschaften 500-1500

Unsere heutige wissenschaftliche Welt steht auch auf den Schultern jener jüdischen, christlichen und muslimischen Gelehrten, die im Mittelalter Schriften der Antike übersetzten, zuerst im Nahen Osten ins Arabische und dann in Europa – zu Beginn in Süditalien und Spanien – aus dem Arabischen ins Lateinische. Die Bedeutung des Wissenstransfers in dieser Epoche kann nicht überschätzt werden, auch wenn das nicht der einzige Überlieferungsstrang gewesen ist. So ist etwa die Rezeption der Schriften des Aristoteles im mittelalterlichen Europa im Wesentlichen dieser Übersetzertätigkeit zu verdanken.

Im 9. Jahrhundert war in Bagdad das „Haus der Weisheit“ begründet worden, von dem eine rege Übersetzungstätigkeit ausging: persische, aramäische, syrische, hebräische, indische (Sanskrit), und lateinische Schriften wurden dort ins Arabische übertragen, von jüdischen, christlichen und sabäischen Gelehrten. Dort unterrichtete auch der Universalgelehrte Al-Chwarizmi (780–850), dem wir einen heute sehr aktuellen Begriff verdanken, den des Algorithmus, entstanden aus einer Verballhornung seines Namens.

Die Ausstellung, erarbeitet von der Österreichischen Nationalbibliothek, widmet sich dieser überragenden Phase einer Begegnung der Kulturen. Vier große Schriftkulturen werden vorgestellt: die hebräische, die griechische, die arabische und die lateinische. Religiös motivierte Fragestellungen konnten zwar die Akzeptanz kulturübergreifender Erkenntnisse verhindern, gaben jedoch auch vielfach erst den Anstoß für wissenschaftliche Auseinandersetzungen.

Foto:
Detail Avicenna im Kreis disputierender Ärzte, Herbarium, Verona oder Venetien, spätes 15. Jh., Cod. 5264, fol. IVv
© Österreichische Nationalbibliothek

Martin-Gropius-Bau Berlin (Berlin)

Im Reformationsjahr 2017 widmet die Staatsgalerie Stuttgart dem Meister von Meßkirch erstmals eine umfassende monografische Ausstellung.
Der Meister von Meßkirch gehört zu den bedeutendsten Malern der frühen Neuzeit. Obwohl sich der ausschließlich im oberschwäbischen Raum tätige Künstler als historisch verbürgte Person bis heute nicht sicher fassen lässt, ist sein Rang als herausragender Kolorist seit langem unbestritten. Seine Altarbilder beanspruchen auch deshalb hohes historisches Interesse, da sie – entgegen der sich in Württemberg fast flächendeckend durchsetzenden Reformation – das regionale Festhalten am altgläubigen Bekenntnis dokumentieren. Von den frühen Porträts, Epitaphien und Hausaltären bis hin zu seinen im Auftrag der Grafen von Zimmern geschaffenen Altarbildern der 1530er-Jahre erschließt sich so ein Werk von unverwechselbarer Eigenart. Charakteristisch ist auch die Verbindung altertümlicher Elemente und fortschrittlicher Bildideen der Renaissance. Ein Großteil seiner heute verstreut in Museen und Privatsammlungen Europas und der USA befindlichen Tafelbilder und Zeichnungen sind in der Ausstellung vereint zu sehen. Sie werden in aufschlussreichen Gegenüberstellungen mit annähernd zeitgleich entstandenen Werken protestantischer Ausrichtung präsentiert. So wird ein differenzierter Eindruck von den künstlerischen Ausdrucksformen im Zeitalter der Reformation vermittelt.

Staatsgalerie Stuttgart (Stuttgart)

Licht ist kein greifbares Medium wie Farbe oder Metall. Licht alleine kann nicht gesehen werden. Es braucht einen Träger, einen „Sichtbarmacher“. Gerade hier liegt die Herausforderung für die international arbeitende Lichtkünstlerin Betty Rieckmann.

DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst (Hörstel)

Das KunstVerzehr-Menü: Zum Abschluss des Projektes wird den Gewinnern der Verlosung vom Apfelfest (24.09.) im festlichen Ambiente des Kunsthauses die essbare Übersetzung eines Kunstwerkes aus der Ausstellung „kunST_bestand | abstrakt“ vor dem Original serviert.

DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst (Hörstel)

Ausstellung in der Galerie Alte & Neue Meister Schwerin

Frank Brabant, der in Schwerin geboren und aufgewachsen ist und sich später in Wiesbaden eine Existenz als erfolgreicher Geschäftsmann aufbaute, hat im Laufe seines Lebens eine beachtliche Kunstsammlung zusammengetragen. Die Sammlung umfasst das ganze 20. Jahrhundert angefangen von Bonnard und Toulouse-Lautrec bis zu Penck und Lüpertz, der Schwerpunkt liegt aber bei Werken des Expressionismus und der Neue Sachlichkeit.

Angefangen hat alles mit einem Holzschnitt von Max Pechstein, den Frank Brabant sich von dem Geld kaufte, das er eigentlich für seinen ersten VW-Käfer gespart hatte. Später kamen Werke von Alexej von Jawlensky, Ernst Ludwig Kirchner, August Macke Georg Tappert, Emil Nolde, Otto Dix, Max Beckmann und viele anderen hinzu. Über 500 Werke umfasst die Sammlung heute. Neben den „großen Namen“ sind viele Maler der „Verschollenen Generation“ vertreten – Künstler, die in der Nazizeit verfemt wurden und nach dem Krieg nicht mehr an frühere Erfolge anknüpfen konnten. Die Bilder spiegeln in vielen Fällen die sozialen Missstände in der Weimarer Republik und geben zugleich einen Überblick über das damalige Kunstgeschehen.

Frank Brabant will seine Kunstsammlung nach seinem Tod je zur Hälfte dem Museum Wiesbaden und der Galerie Alte & Neue Meister des Staatlichen Museums Schwerin schenken. Die Ausstellung zeigt heute schon die Werke, die die Sammlung des Schweriner Museums in Zukunft ergänzen werden. Bisher besitzt das Museum nur wenige Werke, die dem Expressionismus oder der Neue Sachlichkeit zu zurechnen sind, insofern schließt diese Schenkung eine Lücke. Besonders augenfällig wird die Bedeutung der Stiftung für die Sammlung des Museums an einem Gemälde von Heinrich Ehmsen. Bei dem Werk in der Sammlung Brabant handelt es sich um die Vorstudie zu dem Gemälde Der Angler von Cassis, das sich bereits seit 1968(?) im Bestand des Staatlichen Museums befindet.

Auch das Museum Wiesbaden stellt in einer Ausstellung im Sommer 2018 seinen Teil der Sammlung vor. Zu beiden Ausstellungen erscheint ein gemeinsamer Katalog, der die Sammlung Frank Brabant noch einmal als Ganzes würdigt. Anhand der Sammlung wird hier nicht nur die Kunst des Expressionismus und der Neuen Sachlichkeit, sondern auch die Vernetzung der Künstler und Gruppierungen untereinander vorgestellt.

Staatliches Museum Schwerin / Ludwigslust / Güstrow (Schwerin)

Zu sehen ist eine breite Vielfalt verschiedener künstlerischer Medien und aktueller Positionen der bildenden Kunst. Im Anschluss an die Eröffnung präsentiert der Kölner Jazzpianist Georg Ruby sein „Personal Songbook“.

DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst (Hörstel)

Gefördert werden gemeinschaftsorientierte Kunstprojekte, die von Handlung und Laienbeteiligung leben und gesellschaftsrelevante Themen mit partizipatorischen Aspekten aufgreifen. In der Ausstellung sind max.15 Projektideen zu sehen, die von einer Jury ausgewählt und zur Ideenwerkstatt eingeladen wurden.

DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst (Hörstel)

Der altehrwürdige, dabei runderneuerte Künstlerbund Baden-Württemberg blickt auf eine stolze 60jährige Geschichte zurück und vertritt heute mehr als 400 Mitglieder aus allen künstlerischen Sparten. Regelmäßig richtet er in Kooperation mit renommierten baden-württembergischen Kunstinstitutionen jurierte Ausstellungen aus, um den „Stand der Dinge“ zu zeigen. 2017 sind mit dem Kunstmuseum Singen und der Städtischen Galerie Bietigheim-Bissingen gleich zwei Häuser beteiligt – im Süden und im Norden des Bundeslandes. Und die beiden Museumsleiter tauschen ihre Plätze. Statt im eigenen werden sie die Ausstellung im jeweils anderen Haus kuratieren! Spannende Korrespondenzen, interessante Gewichtungen und Präsentationen, ein frischer Blick auf die aktuelle Kunstproduktion im deutschen Südwesten können versprochen werden.

Eröffnung: Sonntag, 22. Oktober 2017, 11 Uhr

Kunstmuseum Singen (Singen)

Letzte Gelegenheit das selbst gestaltete „Gravenhorster MALBUCH“ direkt bei den Künstlern im Atelier abzugeben. Dieter Call und Anja Voigt stehen für Gespräche zur Verfügung und laden dazu ein, noch in letzter Minute Teil der Ausstellung im Atelier des DA und im Netz zu werden.

DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst (Hörstel)

Oliver Gather untersucht von Mai bis Juli mit Feder, Pinsel und Farbe die kreativen Vorstellungen Ibbenbürener Vorgartenbesitzer. Die ästhetischen Gestaltungsprinzipien aus Design und Kunst, die zeichnerisch dokumentiert werden, sind im Künstleratelier ausgestellt.

DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst (Hörstel)

Ausstellungstermin nur voraussichtlich!!
Aktuelle Informationen unter: https://www.museum-schwerin.de/ausstellungen/vorschau/

Ausstellung auf Schloss Güstrow

Das Ministerium für Bildung, Wissenschaft und Kultur und das Staatliche Museum Schwerin?/?Ludwigslust?/?Güstrow präsentieren gemeinsam die Neuerwerbungen für die Kunstsammlung des Landes Mecklenburg-Vorpommern. In den Ateliers von 14 Künstlern wurden insgesamt 79 Arbeiten aus unterschiedlichen Gattungen und von großer stilistischer Bandbreite zusammengetragen: Malerei, Druckgrafik, Zeichnungen, Objekte, Fotoarbeiten und Videokunst von Martha Damus, Jacqueline Duhr, Friedrich Wilhelm Fretwurst, Jörg Hamann, Lars Lehmann, Annette Leyener, Margret Middell, Marcus Schramm, Holger Stark, Wolfgang Tietze, Iris Thürmer, Sven Ochsenreither, Matthias Wegehaupt und Marc Wiesel.

Staatliches Museum Schwerin / Ludwigslust / Güstrow (Schwerin)

Offizielle Festivaleröffnung in Gravenhorst mit Künstlergesprächen und Auftaktkonzert mit griechischer und isländischer Band. Weitere Infos unter: www.muensterlandfestival.com und www.da-kunsthaus.de

DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst (Hörstel)

Ed Atkins (*1982, Oxford, GB) ist der Schöpfer einer forcierten Künstlichkeit, die in seinen computergenerierten Filmen Protagonisten zeigt, die ramponiert, entwaffnend nah und einsam gezeigt werden. Es sind vorfabriziert wirkende Animationen, die das Zeigen der neuen, digitalen Medien selbst zeigen, genauso wie das Synthetische der am Computer generierten Figuren und ihrer Welten. In Ed Atkins’ Arbeiten vergessen die Betrachter*innen nie ihr eigenes Betrachten eines Mediums – Bildstörungen und scheinbare Fehlfunktionen erinnern sie an den Vorgang der filmischen Repräsentation und ihrer Unzulänglichkeiten. Zugleich gehen Atkins’ Filme unmittelbar unter die Haut, genauso wie allein schon die Vorstellung von „altem Essen“ eine körperliche Reaktion hervorruft. Für seine Ausstellung im Martin-Gropius-Bau „Old Food“ kreiert der Künstler eine neue Folge von Arbeiten, die Begehren, Konflikt, Lernen und Verdummen allegorisieren. Als Serie von eigenständigen Video- und Soundarbeiten ebenso wie als synchrones Ganzes zeigt „Old Food“ sich wiederholende Sequenzen einer „Dark Age CGI Piano Performance; elaboriert explodierte Diagramme von Sandwiches; Essen, Weinen und Sabbern in Zeitlupe ebenso wie wogende Armeen choreografierter Idioten“ (Ed Atkins).

Atkins hatte in den letzten Jahren Einzelausstellungen u.a. im MMK Frankfurt (2017); Castello di Rivoli, Turin (2016); The Kitchen, New York (2016); Stedelijk Museum, Amsterdam (2015) und der Serpentine Gallery, London (2014). Der Künstler lebt und arbeitet in Berlin.

VERANSTALTER Berliner Festspiele / Immersion
KURATORIN Lisa Marei Schmidt

© Ed Atkins

Martin-Gropius-Bau Berlin (Berlin)

In unserer globalisierten Welt begeben sich viele Menschen auf die Suche nach ihren Wurzeln. Das Gefühl, zu wissen, woher man kommt, geht mancherorts – so auch auf den nordfriesischen Inseln – mit dem Tragen von Trachten einher, die früher Ausweis regionaler und sozialer Zugehörigkeit waren. Ausgehend von Gemälden und Grafiken des 19. Jahrhunderts aus der Sammlung Kunst der Westküste spannt die Ausstellung mit internationalen Leihgaben einen Bogen bis zur zeitgenössischen Kunst und zu aktuellem Modedesign. Als ein Synonym für Heimatverbundenheit, Identifikation und Traditionspflege scheint die Tracht gerade gegenwärtig ein in mehrfacher Hinsicht reizvolles Sujet zu sein, das auch in ironisierender oder kritischer Hinsicht Thema in den unterschiedlichsten künstlerischen Medien ist.

Künstler 19./20. Jahrhundert:
Oluf Braren, Otto Heinrich Engel, Johan Julius Exner, Carl Ludwig Jessen, Christian Carl Magnussen, Johan Gudmann Rohde, Valentin Wassner, August Westphalen, August Wilckens

KünstlerInnen 21. Jahrhundert:
Catharina Bond (AT), Nico Dams (DE), Sabine Dehnel, (DE), Sandra Heinz (DE), Hendrik Kerstens (NL, Abb.), Anja Luithle (DE), NOH NEE (DE), Annette Schröter (DE), Trine Søndergaard (DK), Mila Teshaieva (DE), Vivienne Westwood (GB) sowie AbsolventInnen der Studiengänge Modedesign und Fotografie der Hochschule Hannover (DE)

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.

Museum Kunst der Westküste (Alkersum/Föhr)

Nach den verstörenden Erfahrungen des 2. Weltkriegs wurde das Thema Landschaft, das bis dahin überwiegend festen Regeln und Traditionen folgte, in die abstrakte Malerei integriert und darin aufgelöst. Erst das Versiegen jeder gegenständlichen Tendenz und die anschließende Neubelebung Anfang der 60er Jahre brachten den nötigen Freiraum, um auch Natur und Landschaft im Rahmen einer neuen Auffassung und eines neuen Malereibegriffes wieder aufzugreifen, überlieferte Traditionen aufzusprengen und zu erweitern.
Die Ausstellung widmet sich der Auseinandersetzung mit den Themen Landschaft und Natur seit dem 2. Weltkrieg bis heute, wobei mit Blick auf die Kunst der DDR auch beleuchtet wird, inwiefern sich in den Landschaftsdarstellungen politische Veränderungen wiederspiegeln.

Museum für Aktuelle Kunst – Sammlung Hurrle Durbach (Durbach)

Die Ausstellung mit griechischen und isländischen Künstlern findet im Rahmen des Münsterland Festivals 2017 statt. Genau auf halber Strecke zwischen Athen und Reykjavik treffen sie sich zu einem künstlerischen Austausch.
Gefördert durch das Land NRW und die Kreissparkasse Steinfurt

DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst (Hörstel)

Ein ehemaliger Klostersaal, der in verschiedenen Farben leuchtet, ein humoriger Moderator, der Kindern, Jugendlichen und Erwachsenen mit lässigen Erklärungen die Klassik näherbringt, vielfältige Instrumente, gespielt von jungen, hochkarätigen Musiker/innen – all das macht das Familienkonzert Septemberklänge aus.

DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst (Hörstel)

Malerei, Zeichnungen, Architektur
Wiederentdeckte Moderne II

Utopische Architekturentwürfe, expressionistisches Interieur, fantastische Farbwelten – all dies ist nur ein Teil des Werkes von Wenzel Hablik (1881–1934), der sich als Universalkünstler dem Gesamtkunstwerk verschrieb. Hablik gilt als einer der wichtigen Vertreter der deutschen expressionistischen Architektur- und Gestaltungsavantgarde. Scheinen die Wege der Kunst der Moderne weitgehend erforscht, so bietet sein Werk immer noch Überraschendes. Im Fokus der Berliner Ausstellung stehen seine Architekturvisionen und sein 1923 farbig gestaltetes Meisterwerk eines Raumkonzepts als Rekonstruktion. Sie werden durch die Präsentation von Malerei und Design ergänzt, denn erst in der Kombination wird der Grundgedanke des Gesamtkunstwerkes, wie Hablik es verfolgte, nachvollziehbar. Es ist die erste umfassende Einzelausstellung seines Werkes in Berlin.

Foto: Freitragende Kuppel, 1919. Aquarell, Farbstift, Bleistift, 64,9 x 50 cm
© Wenzel-Hablik-Stiftung, Itzehoe

Martin-Gropius-Bau Berlin (Berlin)

Das Beklemmendste an diesen Fotografien ist, dass auf ihnen weder die Mörder noch die Mordopfer zu sehen sind. An Schmekens Aufnahmen wirkt gerade das Unauffällige, Banale und Gewöhnliche unheimlich.
Hans Magnus Enzensberger

Zehn von Rechtsradikalen getötete Menschen zwischen 2000 und 2007 – in Dortmund, Hamburg, Heilbronn, Kassel, Köln, München, Nürnberg, Rostock. Das erste Opfer, der Blumenhändler Enver ?im?ek, wurde am 9. September 2000 in Nürnberg ermordet, das letzte Opfer, die Polizistin Michèle Kiesewetter am 25. April 2007 in Heilbronn. Bei einem Nagelbomben-Attentat in Köln wurden 22 Menschen verletzt, vier davon schwer. Der Prozess am Oberlandesgericht in München gegen Beate Zschäpe, Ralf Wohlleben sowie weitere fünf mutmaßlich Beteiligte begann 2013, das Urteil steht noch aus, ebenso die restlose Aufklärung der Taten.

Regina Schmeken zählt zu den international vielbeachteten Fotografinnen Deutschlands. In ihrer Arbeit geht es ihr um die Wahrnehmung der Wirklichkeit, ihren verschiedenen Bedeutungsebenen und deren Verdichtung.

Regina Schmeken begann im Frühjahr 2013 damit, die Tatorte des NSU zu fotografieren. In ihrem Ausstellungsprojekt „Blutiger Boden. Die Tatorte des NSU“ geht es ihr auch um das Gedenken an die Ermordeten sowie eine Auseinandersetzung mit jenen Orten, die auf den ersten Blick keinerlei Spuren einer Gewalttat aufweisen. Zwischen 2013 und 2016 besuchte sie mehrmals die Tatorte. Es entstand ein Zyklus großformatiger Schwarzweiß-Fotografien, die verstörend wirken.

Die Ermordeten, acht türkischer, einer griechischer Herkunft und eine deutscher Herkunft wurden auf dem Boden liegend gefunden, brutal hingerichtet von rechtsradikalen Terroristen.

Feridun Zaimoglu nennt die Geschichte des NSU im Katalog zur Ausstellung „die Geschichte der großen Beschädigung“. Annette Ramelsberger schreibt „Die Reise an die Tatorte war eine Reise in ein Land von Schmerz und Tränen, von Gleichgültigkeit und klamm–heimlicher Freude über das, was geschehen ist. Als der NSU nach zehn Morden, zwei Sprengstoffattentaten und 15 Raubüberfällen aufflog, waren sich alle gewiss: So eine Terrorserie könne sich in Deutschland nicht wiederholen. Wer den NSU-Prozess verfolgt, der weiß: Dafür gibt es keine Garantie.“

Die Ausstellung richtet sich gegen das Vergessen. Sie gedenkt derer, die ermordet wurden und sie fordert auf zum Nachdenken über das Geschehene und das künftige Zusammenleben.

VERANSTALTER Berliner Festspiele / Martin-Gropius-Bau
Eine Ausstellung des Militärhistorischen Museums Dresden.

Foto: Enver ?im?ek (38), 09.09.2000 Nürnberg
© Regina Schmeken, 2015

Martin-Gropius-Bau Berlin (Berlin)

Otto Bartning gilt als einer der bedeu­tends­ten Archi­tek­ten in der ersten Hälfte des 20. Jahrhun­derts. Hiervon zeugen sein ­Bei­trag zur Reform des protes­tan­ti­schen Kirchen­baus, seine ­Sied­lungs- und Sozial­bau­ten sowie seine theore­ti­schen Schriften. 1883 in Karlsruhe geboren, studierte Bartning in Berlin und in seiner Heimat­stadt. In den Folge­jah­ren sollte er mit dem Entwur­f ­der Stern­kir­che, von 1922, der Stahl­kir­che von 1928 sowie 1946 mit dem Notkir­chen­pro­gramm des Deutschen Evange­li­schen Hilfs­werks den Kirchenbau revolu­tio­nie­ren. Mit seiner radika­len ­Ab­wen­dung gegen den gängigen Histo­ris­mus, die Verwen­dung in­no­va­ti­ver Formen und Materia­lien und als Mitglied des zu­kunfts­wei­sen­den "Arbeits­ra­tes für Kunst", zählt er neben Wal­ter Gropius und Bruno Taut ab 1918 zu den Protago­nis­ten der Mo­derne. Bartning, der europaweit tätig war, konnte in Karls­ru­he ­die Markus­kir­che (1934-1935), das Franz-Rohde-Haus (1938), die Evan­ge­li­sche Friedens­kir­che (1949) als Notkirche und die Tho­mas­kir­che (1958-1960) errichten.

Das facet­ten­rei­che Oeuvre Bartnings und seine vielsei­ti­gen Ak­ti­vi­tä­ten werden in einer umfas­sen­den Werkschau anhand von o­ri­gi­na­len Zeich­nun­gen, Fotogra­fien und Archi­tek­tur­mo­del­len vor­ge­stellt. Die Ausstel­lung, kuratiert von Dr. Sandra Wag­ner-Conzelmann, ist ein Koope­ra­ti­ons­pro­jekt der Akademie der Künste, Berlin, und der Wüstenrot Stiftung in Zusam­men­ar­beit mit der Städti­schen Galerie Karlsruhe, dem Institut Mathil­den­hö­he Darm­stadt und der Techni­schen Univer­si­tät Darmstadt.

Es erscheint eine ausstel­lungs­be­glei­tende Publi­ka­tion.

Foto: Stahlkirche auf der Pressa in Köln, 1928, Außenansicht, Foto: Hugo Schmölz, Otto-Bartning-Archiv der TU Darmstadt

Städtische Galerie Karlsruhe (Karlsruhe)

Lucian Freud (1922–2011) ist einer der bedeutendsten Maler Großbritanniens. Seine figurativen Arbeiten gehören zu den Meisterwerken des 20. Jahrhunderts. Berühmtheit erlangt er vor allem durch seine Porträts von Menschen und Tieren, die er nahezu wissenschaftlich sorgfältig beobachtet und auf Leinwand oder Papier bringt.

Seine Bilder sind Beispiele intensiver analytischer Betrachtungen. Sie sind zugleich bewegende Studien der Vergänglichkeit. Sie sind ungeschönt. Jede Falte, jede Narbe, jede Unregelmäßigkeit der Haut und jede Lebensspur hält er fest. Erstmals werden in seiner Geburtsstadt Berlin 51 seiner Radierungen gezeigt. Sie werden ergänzt durch ein Aquarell und zwei Gemälde, darunter das Meisterwerk „Doppelporträt“. Sie sind Leihgaben der UBS Art Collection, eine der international renommiertesten Unternehmenssammlungen.
Anhand des Ölgemäldes „Doppelporträt“, entstanden 1988–89, lässt sich Freuds künstlerische Fortentwicklung von der Malerei hin zur Radierung trefflich erläutern. Er arbeitet langsam und benötigt für seine Bilder je nach Größe und anderen Variablen zwischen drei bis achtzehn Monate. 1988 entsteht auch die Radierung „Pluto“. Zeigt das Doppelporträt in pastosen Farben seinen Jagdhund Pluto und eines seiner Lieblingsmodelle, Susanna Chancellor, wie sie eng und vertraut nebeneinanderliegen, so ist in der schwarz-weiß gehaltenen Radierung eine ähnliche Szene zu sehen. Doch hier zoomt der Künstler den Whippet-Hund heran, von Susanna sind lediglich wenige Zentimeter ihres Körpers zu sehen. Freud konzentriert sich ganz auf das ruhende Tier. Man könnte meinen, es sei eine Studie zum Gemälde. Doch das wäre zu kurz gegriffen. Sein malerisches und sein grafisches Werk stehen seit den 1980er Jahren nicht nur gleichberechtigt nebeneinander, sondern Freud wagt sich in der Radierung näher an sein Modell heran und findet darin eine weitere künstlerische Herausforderung. „Es kann sein“, sagt Freud einmal, „dass man durch Arbeit so viel Kenntnis und Fähigkeiten erwirbt, dass man vollkommen sorglos wird, wohingegen ich Dinge tun möchte, die wirklich anstrengend sind“. Der Radierung widmet er sich bis auf wenige Ausnahmen erst in seinem Spätwerk.

Detailreich und präzise ist sein grafisches Œuvre. Er fokussiert sich ganz auf sein Modell. Sitzmöbel oder Liegeflächen lässt er weg. Anstelle des Pinselstrichs und der Farbe erarbeitet sich Freud ein System aus Linien: feine, langgezogene, mehrfach wiederholte parallel gesetzte Linien, um Rundungen und Kurven darzustellen; breit geätzte Linien, um eine monumentale Größe und eine Wucht zu verdeutlichen und wilde Kreuzschraffuren für die plastische Körperlichkeit. Die Linien werden in Kupferplatten gekratzt, durch Säure vertieft und mit Tinte gefüllt auf Papier gedruckt. Das Bildthema wird seitenverkehrt angelegt und erst durch den Druck seitenrichtig auf das Papier gebracht. Das Ritzen und Kratzen macht Korrekturen fast unmöglich.

Meisterlich sind Lucian Freuds Kopfporträts der Mutter, die bis zu ihrem Tod 1989 eines seiner wichtigsten Modelle ist, ebenso wie die Porträts des australischen Performancekünstlers Leigh Bowery – zu sehen sind „Head of a Man“ (1992), „Large Head“ (1993) und „Reclining Figure“ (1994). Freud lernt ihn in den 1990er Jahren kennen und porträtiert ihn bis zu dessen Aids-Tod 1994 viele Male in Malereien, Zeichnungen und Radierungen. Bowerys körperliche Bulligkeit fasziniert ihn. Durch ihn lernt Lucian Freud auch Sue Tilley kennen, ebenso ein Modell von ungewöhnlicher Körperlichkeit. Ein Meisterwerk ist die Radierung „Large Sue“ (1995). Es ist mit den Maßen 82,5 x 67,3 cm außergewöhnlich groß, wie viele von Freuds Radierungen. Das Blatt zeigt Sue Tilley in selbstvergessener Unbekümmertheit schlafend mit zerknautschtem Gesicht, nackt und trotz ihrer körperlichen Fülle nahezu schwebend. Es ist eine Venusdarstellung. Eine Darstellung der Urfrau. Sie erinnert an die berühmte altsteinzeitliche Figurine „Venus von Willendorf“. Auch in der Radierung „Woman with Arm Tattoo“ (1996) ist sie in ähnlicher Pose nur als Kopfporträt zu sehen. Hier lässt der Künstler ihr Tattoo sichtbar. Tilley inspiriert ihn zu weiteren Akt-Arbeiten, die auf Auktionen, und das noch zu Freuds Lebzeiten, Rekordbeträge erzielen.

Freuds Radierungen haben alles, was auch sein malerisches Werk auszeichnet: ruhende Körper, Stoff- oder Hautfalten, sich wölbendes Fleisch, Rundungen, Lebensspuren. Freud betont gerne, er sei eigentlich Biologe. Er porträtiert alles was lebt – Pflanzen, Tiere und vor allem nackte Männer wie Frauen – in Situationen und in großer Lebendigkeit.

Lucian Freud wird am 8. Dezember 1922 in Berlin geboren, als Sohn des Architekten Ernst Ludwig Freud und Lucie Freud, geborene Brasch. Im Jahr der Machtübernahme der Nationalsozialisten 1933 war seine Familie gezwungen mit ihm nach England zu fliehen. Sein Großvater Sigmund Freud folgt 1938. Die Flucht hält er in den 1940er Jahren künstlerisch fest. 1939 wird Lucian Freud britischer Staatsbürger. Freud besucht von 1939 bis 1943 die Central School of Art (heute Central Saint Martins College of Art and Design) und das Goldsmith’s College in London sowie die East Anglian School of Painting and Drawing in Dedham, Essex, die von den Malern Cedric Morris und Arthur Lett-Haines geleitet wird. Cedric Morris wird eines seiner großen Vorbilder.

Freuds Modelle sind ausschließlich Menschen, die er kennt und die ihn neugierig machen. Er arbeitet fast immer in seinem Atelier; zu den wenigen Ausnahmen gehört das Porträtieren von Königin Elisabeth II. (2001). „Mein Werk ist rein autobiografisch“, so Freud in einem Interview aus Anlass seiner ersten Einzelausstellung 1974 im Art Council, der heutigen Hayward Gallery, in London. „Es geht darin um mich und meine Umgebung. Es ist der Versuch, etwas aufzuzeichnen. Ich male Menschen, die mich interessieren und die mir etwas bedeuten und über die ich nachdenke, in Räumen, in denen ich lebe und die ich kenne“. Auf die Frage, was er von einem Kunstwerk erwarte, schreibt Freud einmal: „Ich erwarte, dass es erstaunt, verstört, verführt, überzeugt“. Oder um mit dem französischen Schriftsteller Emile Zola (1840–1902) zu antworten: Ein Kunstwerk ist „ein Stück Natur, gesehen durch ein Temperament“.

VERANSTALTER Berliner Festspiele / Martin-Gropius-Bau.
In Zusammenarbeit mit der UBS Art Collection.
KURATORIN Mary Rozell

Martin-Gropius-Bau Berlin (Berlin)

Im Mittelpunkt der Ausstellung Jenseits des Dokumentarischen stehen je sechs chinesische und deutschen Fotografen, welche die Möglichkeiten der zeitgenössischen Fotografie ausloten und dabei herkömmliche Vorstellungen von der Rolle der Fotografie kritisch unter die Lupe nehmen. Was heißt Dokumentation? Muss ein Foto einen realen Ausgangspunkt haben oder kann es eine reine Bilderfindung sein? Wie wird ein fotografisches Bild hergestellt? Braucht man dafür eine Kamera oder kann man das Bild am Computer „zusammenbauen“ – oder gar von der Natur erstellen lassen? Muss ein Foto „lesbar“ sein, um seiner Funktion als Dokumentation gerecht zu werden? Und umgekehrt – wie gehen wir damit um, dass präzise aufgenommene Bilder von Objekten und Räumlichkeiten diese weder dokumentieren noch kommentieren, sondern „lediglich“ präsentieren?

Die Stadtbilder von Andreas Gefeller (*1970) bewegen sich zwischen Dokumentation und Konstruktion. Die Nachtaufnahmen sind extrem überbelichtet, so dass die beleuchteten Stellen sich auflösen, während die dunklen Partien als Linienkonstruktionen gerade noch sichtbar sind. Die Dunkelheit der Nacht spielt ebenfalls eine entscheidende Rolle in den schwarzen Alpenlandschaften von Michael Schnabel (*1966), die er in stille Poesie verwandelt. Während es Shan Feiming (*1978) auch um einen meditativen Blick auf Naturphänomene geht, überlässt Jiang Pengyi (*1977) gar Glühwürmchen den kreativen Prozess: Das pulsierende Licht und die Flugbewegungen der Tiere hinterlassen Spuren, die im fotografischen Entwicklungsprozess sichtbar werden. Für die konkreten Kompositionen von Michael Reisch (*1964) hingegen gibt es keine real existierenden Vorlagen, denn die Kompositionen entstehen ausschließlich im Rechner. Xu Yong (*1954) konfrontiert die Betrachter mit weichen Farbwolken, die aber tatsächlich an biografisch bedeutsamen Orten aufgenommen wurden, auch wenn sie abstrakt erscheinen. Kris Scholz‘ (*1952) Fotografien von Böden und Arbeitsflächen muten wie abstrakt-expressive Gemälde an – eine Wirkung, die durch das große Format und die Verwendung von Leinen als Bildträger noch intensiviert wird.

Jiaxi Yang (*1989) und Samuel Henne (*1982) setzen sich konzeptuell mit der Wechselbeziehung zwischen Bild und Objekt auseinander. Durch ungewöhnliche Zusammenstellungen und Kontextverschiebungen werden banale Alltagsdinge bedeutsam und markant. Corina Gertz lenkt die Aufmerksamkeit auf traditionelle Kleidung und Kopfbedeckung als identitätsstiftendes Element nonverbaler Kommunikation. Um Kommunikation geht es ebenfalls bei Wang Ningde (*1972), der illegal gepostete „Kleinanzeigen“ in den Großstädten Chinas fotografiert, die von den Behörden patchworkartig übermalt werden. Diese kombiniert er dann mithilfe eines Bildbearbeitungsprogrammes zu malerischen Porträts. Genauso „komponiert“ sind auch die Bildnisse von Zhang Wei (*1977): Aus hunderten chinesischen Gesichtern montiert er täuschend echte Porträts berühmter Persönlichkeiten aus Politik, Wissenschaft, Wirtschaft und Popkultur.


Begleitprogramm


Öffentliche Führungen
Sonntag, 23. Juli 2017, 11.30 Uhr
Sonntag, 6. August 2017, 11.30 Uhr
Donnerstag, 17. August, 18.30 Uhr
Sonntag, 27. August 2017, 16.30 Uhr
Sonntag, 10. September 2017, 11.30 Uhr
Sonntag, 24. September 2017, 11.30 Uhr

Führung für Lehrkräfte
Montag, 24. Juli, 17 Uhr

Fotografische Grenzen ausloten
Expertenführung mit dem teilnehmenden Künstler Michael Schnabel
Donnerstag, 14. September, 18.30 Uhr


Workshops für Kinder und Jugendliche

Was ist das? Ist das ein Quiz oder ist das Kunst?
Donnerstag und Freitag, 27. und 28. Juli, 14.30–17.30 Uhr
für Kinder von 8–14 Jahren

Klick klick, Dein Bild lernt laufen...
Mittwoch und Donnerstag, 2. und 3. August
10.30–13.30 Uhr für Kinder von 6–10 Jahren
14.30–17.30 Uhr für Kinder von 8–12 Jahren

Anmeldung für alle Workshops unter: 07142 74-483

Wir laden Sie herzlich ein zur Eröffnung am Donnerstag, 20. Juli, 19 Uhr

Studioausstellung

Einblick in die Sammlung:
Malerbücher und Mappenwerke des 20. und 21. Jahrhunderts
bis 24. September
Aus dem eigenen Bestand zeigt die Städtische Galerie eine Auswahl an Malerbüchern und Mappenwerken von den 1960er Jahren bis zur Gegenwart: vom klassisch gebundenen Buch über üppig gestaltete Mappen bis hin zum aufwändig gefalteten Leporello.

Öffnungszeiten
Dienstag, Mittwoch, Freitag 14–18 Uhr
Donnerstag 14–20 Uhr
Samstag, Sonntag 11–18 Uhr
Feiertag 3. Oktober 11–18 Uhr


Eintritt frei
Öffentliche Führungen 3 €
Expertenführung 5 €
Private Gruppenführungen 55 € / 65 €
Führungen für Gruppen und Schulklassen nach telefonischer Vereinbarung

Katalog 29 €

Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen
Hauptstraße 60–64
74321 Bietigheim-Bissingen
Telefon 07142 74-483
Telefax 07142 74-446
http://galerie.bietigheim-bissingen.de
galerie@bietigheim-bissingen.de

Staedtische Galerie Bietigheim-Bissingen ( Bietigheim-Bissingen)

Ben Hübsch, geboren 1963 in Freiburg, studierte dort an der Außenstelle der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe bei Peter Dreher und lebt noch heute dort. Seine geometrischen Arbeiten reizen in ihrer leuchtenden, gewagten Farbigkeit und mit ihren unterschiedlichen Formgefügen das Auge und spielen mit den verschiedenen Raumtiefen im Bild, das zu einem ganz eigenen Raumerlebnis wird.

Martin Kasper, geboren 1962 in Schramberg, studierte an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe und lebt heute in Freiburg. Seine Malerei öffnet den Blick in menschenleere Räume: Verschlungene Treppen, Bildergalerien, Säle, Restaurants, Dachstuben. Immer haftet diesen Bildern eine unheimliche Ruhe, den Räumen eine Traumhaftigkeit an, die merkwürdig losgelöst von den sie nutzenden Menschen wirken.

Museum für Aktuelle Kunst – Sammlung Hurrle Durbach (Durbach)

Den kunsthistorisch wertvollen Kern der Sammlung bilden die Werke der „Höri-Maler“, die in der Zeit von 1933 bis in die Nachkriegszeit auf der Bodenseehalbinsel Höri Zuflucht vor der nationalsozialistischen Kulturpolitik und vor den Auswirkungen des Krieges fanden. Das Kunstmuseum Singen besitzt den größten geschlossenen Bestand dieser und weiterer Maler, Graphiker, Bildhauer und Photographen der Moderne, die sich an den Bodensee in die „innere Emigration“ zurückzogen. Rund 80 Arbeiten von Max Ackermann, Otto Dix, Erich Heckel, Curth Georg Becker, Walter Herzger, Jean Paul Schmitz, Helmuth Macke, Hans Kindermann, Hugo Erfurth, Gertraud Herzger-von Harlessem, Ferdinand Macketanz u.a. sind in der Ausstellung vereint. Unweit des Museums kann das einzig erhaltene Wandbild >Krieg und Frieden< (1960) von Otto Dix im Rathaus Singen besucht werden.

Abbildung: Helmuth Macke, Alte Mühle in Hemmenhofen, 1933, Öl auf Leinwand, (c) Helmuth Macke, Leihgabe Sparkasse Hegau-Bodensee

Kunstmuseum Singen (Singen)

Ilse Schmitz (1904-1979).
Wiederentdeckt.
16.07.-24.09.2017

Parallel zur Ausstellung „Jean Paul Schmitz (1899-1970). Ein rheinischer Expressionist am Bodensee.“ stellt das Kunstmuseum Singen in einem separaten Raum das schmale Werk der Malerin Ilse Schmitz, geborene Pieper (1904-1979) vor. Die Präsentation – rund 20 Arbeiten – möchte einen Beitrag zur Wiederentdeckung und Neurezeption einer Malerin leisten, die – zeittypisch wie so viele Künstlerfrauen auf der Höri – ihre eigene künstlerische Arbeit zurückstellte, um ihrem Mann, den sie bereits an der Kunstakademie kennen gelernt hatte, die ungestörte künstlerische Entfaltung zu ermöglichen und die Familie zu versorgen.

Ilse Pieper, aus großbürgerlichem Elternhaus kommend, studierte von 1921 bis 1927 an den Kunstakademien Karlsruhe (bei Wilhelm Schnarrenberger) und Düsseldorf Malerei und Zeichenkunst, um – so die Bedingung der Eltern – Zeichen- und Sportlehrerin zu werden. Im Umfeld der Heinrich Nauen-Klasse lernte sie ihren späteren Mann Jean Paul Schmitz kennen. 1934 heiratet das langjährige Paar und bricht unmittelbar nach der Hochzeit zu einer sechsmonatigen Studienreise auf, die beide über Rom nach Ischia führt. Aquarelle, Tuschezeichnungen und einige Ölgemälde bezeugen diese auch künstlerisch ungemein auf- und anregende Zeit, in der Ilse und Jean Paul Schmitz nicht selten parallel vor demselben Motiv malen und zeichnen. Um dem (kultur-)politischen Druck der nationalsozialistischen Gleichschaltung zu entkommen, brechen beide 1936 erneut nach Italien und anschließend nach Griechenland auf und teilen in den späten 1930er und anfangs der -40er Jahre ein zeit- und kriegsbedingt unstetes, dabei künstlerisch äußerst produktives Wanderleben. Die erhaltenen Zeichnungen, Aquarelle, Gouachen und Gemälde weisen zahlreiche Nähen und Parallelen zwischen beiden Künstlern auf, doch sind Ilse Schmitz´ Arbeiten, die ebenso dem rheinischen Expressionismus zugerechnet werden können, mit zupackendem, zügigerem Strich gestaltet. Den Schwerpunkt bilden Darstellungen der Landschaft und alltäglicher Szenen. Ergänzt werden diese von wenigen Bildnissen. Wie Jean Paul Schmitz so rückte auch Ilse Schmitz in dieser Zeit von ihrer ursprünglich tonigen, festeren Malweise ab, um die Motive mit lockerem Pinselstrich und wenigen, knappen Linien zu erfassen und mit hellen, duftigen Flächenfarben zu gestalten. 1941 weicht Ilse Schmitz nach Berlin und in den Hotzenwald aus. Und obschon sich das Ehepaar Schmitz bereits 1940 und 1942 mühte, auf die Höri umziehen zu können, gelingt es der Familie erst 1949, vermittelt durch den vormaligen Direktor der Düsseldorfer Kunstakademie Walter Kaesbach (1879-1961), nach Wangen umzusiedeln.

In Wangen etabliert sich das Ehepaar Schmitz schnell im Kreis der an den Bodensee exilierten, häufiger aus dem Rheinland kommenden, nunmehr auf der Höri lebenden Künstler. An Jean Paul Schmitz´ vielfach gerühmter „Kunst der Freundschaft“ und Gastfreundschaft hat Ilse Schmitz großen Anteil. Wie viele Künstlerinnen ihrer Zeit gab sie im Lauf der 1950er Jahre, der Kinder und Haushaltsführung wegen, ihre eigene künstlerische Arbeit weitgehend zugunsten der ihres Mannes auf. Erst nach Jean Paul Schmitz´ Tod 1970 entstehen letzte späte Blumenstillleben, die zuletzt zu dem im Krieg dezimierten Werk hinzukommen.

Das Kunstmuseum Singen dankt dem Nachlass Jean Paul und Ilse Schmitz für die Zusammenarbeit.

Kunstmuseum Singen (Singen)

Jean Paul Schmitz (1899-1970).
Ein rheinischer Expressionist am Bodensee.
Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen, Lithographien.

Mit der Ausstellung über den Maler und Zeichner Jean Paul Schmitz (1899-1970) setzt das Kunstmuseum Singen die Serie seiner Erkundungen über die „Künstler auf der Höri“ fort. Das ab 1949 auf der Bodensee-halbinsel Höri – in Wangen – entstandene Oeuvre des Malers zählt zum kunsthistorisch wertvollen Kern der eigenen Sammlung. Mit seinen sommerlichen, duftig-hellen Landschaften, die bevorzugt Ausblicke auf die Wangener Bucht und Mammern zeigen, hat Jean Paul Schmitz unsere kollektive Vorstellung von der Höri maßgeblich geprägt. Bis in die aktuelle touristische Werbung hinein erweisen sich seine weiten, sommerlichen Bilder vom Untersee und Ausblicke auf das gegenüber liegende Schweizer Ufer als wirkmächtig.

Die Singener Ausstellung zeigt diese Bilder, doch möchte die, mit rund 80 Arbeiten retrospektiv angelegte Ausstellung das Bild weiten und den „ganzen Schmitz“ zeigen. So werden neben dem Hauptwerk der Höri-Bildern auch Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen und Skizzen aus den Studienjahren Jean Paul Schmitz´ an der Kunstakademie Düsseldorf (1923-26) bei Heinrich Nauen (1880-1940), aus der Zeit im Künstlerkreis (1925-27) von Johanna Ey und von den Reisen und Aufenthalten in Ischia, Rom (1936), Olevano (1937-38) und Griechenland (1939-40) gezeigt. Die den Höri-Jahren vorausgehenden Arbeiten aus Berlin (1934), Süddeutschland, dem Rheinland und aus dem Elsass werden ebenso vorgestellt wie eine Auswahl später Reisebilder und Farblithographien, in denen der Künstler Motive aus früheren Schaffensjahren neu aufgreift und gestaltet.

Wie weitere „Höri-Künstler“ auch, deren Oeuvres das Kunstmuseum Singen in den letzten Jahren mit Einzelausstellungen erforscht hat (Werke dieser Künstler aus der eigenen Sammlung werden zeitgleich im Erdgeschoss ausgestellt), kam auch Jean Paul Schmitz nicht aus freien Stücken an den Bodensee. Erste Erfolge in der Akademiezeit und in den frühen 1930er Jahren, in denen Schmitz, wie viele Mitglieder des „Jungen Rheinlands“, zum Kreis um die Kunsthändlerin Johanna Ey (1864-1947) zählte, berechtigten zu Hoffnungen auf eine Künstlerkarriere im Rheinland. 1927 reiste Schmitz mit „Mutter“ Ey und Gert Wollheim nach Mallorca; im Kreis der rheinischen Expressionisten war er eine bekannte Erscheinung. Die nationalsozialistische Kulturpolitik, die Dienstverpflichtung zum Zollgrenzschutz im Elsass 1943-45, der 2. Weltkrieg, der Verlust großer Teile des Frühwerks im Luftkrieg (1945), die Evakuierung und die Not der Nachkriegszeit markieren die
Zäsur in Schmitz´ Vita. Zuvor schon, ab 1934, suchte er – zusammen mit seiner Frau, der Malerin Ilse Schmitz (1904-1979), geborene Pieper – Deutschland zu verlassen und in den Süden auszuweichen. Der ihm 1936 zuerkannte Rompreis führte das Paar an die bis dato nicht von der nationalsozialistischen Kulturpolitik durchdrungene Villa Massimo – eine Art „Enklave“ relativer Ruhe und freier künstlerischer Arbeit mitten im faschistischen Rom. Von dort aus gelang im Anschluss der Studienaufenthalt an der Villa Serpentara in Olevano und der „Absprung“ nach Griechenland. Dort jedoch holte der Krieg die Eheleute endgültig ein, zwang sie 1941 zur Rückkehr nach Berlin und zum Umzug in den Hotzenwald.

Obschon sich das Ehepaar Schmitz bereits 1940 und 1942 darum mühte, auf die Bodenseehalbinsel Höri umzusiedeln, gelang erst 1949 der Umzug nach Wangen. Walter Kaesbach (1879-1961), der vormalige Direktor der Düsseldorfer Kunstakademie, der seit 1933 auf der Höri lebte, konnte auch in diesem Falle erfolgreich vermitteln. Zahlreiche Freunde und Kollegen aus der Düsseldorfer Zeit und dem Berliner Intermezzo traf das Ehepaar hier wieder, so dass sich beide rasch in den Kreis der Höri-Künstler, darunter viele Rheinländer, einfanden.

Mit seiner gegenständlichen, französisch geprägten Malerei stets ein gemäßigter Vertreter der Moderne bleibend, vermochte sich Schmitz mit seinen hellen Landschaftsbildern und mit seiner Kontaktfreude schnell einen Stand unter den exilierten Malern am See zu erarbeiten: „Man preist mit Recht die Sonne Homers, die Helligkeit Griechenlands. Ähnliches finden wir auch hier am See, in der hellsten deutschen Landschaft. Die Motive hier zwingen deshalb schon zu aufgehellter Farbigkeit und ich bemühe mich, ihnen gerecht zu werden.“, so Schmitz 1966. 1956 baute sich die Familie in Wangen ein Haus – der Balkonblick auf die Wangener Bucht wurde zum bevorzugten Motiv. Nicht nur mit Otto Dix, auch mit den Malern der Konstanzer Gruppe „Der Kleine Kreis“ (Hans Sauerbruch, Otto Adam, Karl Einhart, Rose Marie Schnorrenberg, Rudolf Stuckert u.a.) war Schmitz freundschaftlich eng verbunden. Am 13. Juni 1970 starb der Maler in Singen.

Der Schwerpunkt des Schmitz´schen Oeuvres liegt – von Anfang an – auf der Landschaftsmalerei und auf Szenen aus dem Alltag: Spielende Kinder, Lastenträger, Schlittschuhläufer, Spaziergänger, Reiter, ländliche Feste, Fischer, Bauern. Die Singener Ausstellung zeigt darüber hinaus frühe Akte, Portraits und Selbstbildnisse und legt einen weiteren Schwerpunkt auf die Reisebilder der 1930er Jahre aus Italien und Griechenland. Von Anfang an sucht Jean Paul Schmitz in seinem künstlerischen Werk eine Synthese zu erreichen. Die Zeichnung, die den Gegenstand mit schnellen Strichen knapp umreißt, soll mit einer atmosphärisch dichten, flächig angelegten Farbmalerei ausgesöhnt werden.

Im Laufe seiner Entwicklung gelang es Schmitz, sich von einer in den 1920er Jahren eher tonigen Malweise zu lösen und seine Palette aufzuhellen. Eine immer lockerere, spontanere Pinselführung sowie eine duftig-helle Farbigkeit mit zahllosen Weiß-, Gelb-, Ocker-, Rosa, Blau- sowie zarten Grau- und Grüntönen bestimmen das Werk seit dem Erlebnis des Südens. Der helle Grund der Nesselstoffe und Papiere wird immer häufiger als Licht im Bild verwendet bzw. stehen gelassen. Seit den 1930er Jahren gestaltet Jean Paul Schmitz seine Motive leicht abstrahierend ganz aus den Mitteln heraus, ohne sich je für die ungegenständliche Kunst zu interessieren. Zeitlebens legte er größten Wert auf soliden Aufbau, ausgewogene Komposition und auf das Aufgehen seiner Lokalfarben im farbflächigen Gesamtklang seiner Bilder. Starke Kontraste, expressive Gesten mied Jean Paul Schmitz lebenslang. So ist seinen Bildern jene „heitere Gelassenheit“ zu eigen, welche die zeitgenössische Kunstkritik oft und gern rühmte.

Die Singener Ausstellung wurde in enger Zusammenarbeit mit dem Nachlass Jean Paul Schmitz und Ilse Schmitz, geborene Pieper, erarbeitet. Zur Ausstellung erscheint eine kleine Publikation mit zahlreichen Abbildungen und einem Text von Christoph Bauer.

Begleitprogramm zur Ausstellung:
Sonntag, 13. August 2017, 11 Uhr, Öffentliche Führung
Sonntag, 27. August 2017, 11 Uhr, Öffentliche Führung
Samstag, 16. September 2017, Museumsnacht Hegau-Schaffhausen
Sonntag, 24. September 2017, 11 Uhr, Finissage mit Führung

Abbildung: Jean Paul Schmitz, Balkonblick zur Wangener Bucht, 1968, Tempera auf Leinwand, Foto: Kunstmuseum Singen, (c) Jean Paul Schmitz.

Kunstmuseum Singen (Singen)

In Kooperation mit dem National Museum Oslo präsentiert die Staatsgalerie Stuttgart außergewöhnliche Werke der amerikanischen Druckgraphik von 1960 bis 1990.
Die Druckgraphik diente in der Vergangenheit vor allem dazu, religiöse oder politische Inhalte einem breiten Publikum zugänglich zu machen und war ein wichtiges Kommunikationsmittel. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts waren es vor allem die deutschen Expressionisten, die sich vornehmlich dieser Technik widmeten. Ende der 1950er-Jahre erlebte auch die USA einen wahren »Graphic Boom«.

Zu diesem Zeitpunkt begannen die bedeutendsten Künstler der amerikanischen Avantgarde, vertreten durch Abstrakten Expressionismus, Hard Edge, Pop Art, Minimal Art und andere Stilrichtungen, mit verschiedensten Drucktechniken zu arbeiten bzw. zu experimentieren. Eigens auf Druckgraphik spezialisierte Verlage wie Universal Limited Art Editions (ULAE) in New York, gegründet 1957 von Tatyana Grosman, oder die seit 1966 bestehende GEMINI G.E.L (Graphic Editions Limited) in Los Angeles spielten dabei eine besondere Rolle, vor allem in ihrem hohen Anspruch an die Druckkunst. Einzelblätter, Portfolios und Künstlerbücher entstanden in großer Zahl. Insbesondere die Künstler der Pop Art reagierten damit auf die industrielle Massenfertigung wie auch die Werbesprache der Medien.

Die meisten der Künstler hatten sich bereits als Maler etabliert. In den bevorzugten Medien der Lithographie wie dem Siebdruck, aber auch in anderen Drucktechniken, schufen sie daneben eigenständige Kunstformen, mit denen sie in die Fußstapfen der Pioniere moderner Graphik wie Paul Gauguin, Edvard Munch und Pablo Picasso traten.
Die Ausstellung zeigt mit rund 170 Blättern in eindrucksvoller Breite die verschiedensten Stilrichtungen und Ausprägungen der amerikanischen Druckgraphik und deren Etablierung zu einer eigenständigen Kunstform.

Staatsgalerie Stuttgart (Stuttgart)

"Jede Sammlung hat ihre Geschichte und Lesart, und sie auszustellen, erlaubt sowohl dem Sammler als auch dem Betrachter, ihre eigene Geschichte zu erschaffen, indem sie die Bilder in eine Ordnung bringen", so die Kunstsammlerin Lola Garrido. Die von ihr handverlesenen Größen der Fotokunst lesen sich wie eine Liste der wichtigsten Triebfedern des Genres. Zu ihnen gehören u.a. Cindy Sherman, Irving Penn, Alexander Rodchenko und Dorothea Lange, Robert Capa und Henri Cartier-Bresson (beide Mitbegründer von Magnum Photos), Man Ray und Robert Mapplethorpe. Insgesamt 91 Originaldrucke fordern in "World in Images - A Portable History of Photography" dazu auf, die eigene Geschichte in der Fotografie zu entdecken.

Fotocredit: "Divers, Horst and Model. Swimwear by A.J. Idoz.", Paris, 1930 © George Hoyningen-Huene / Mit freundlicher Genehmigung der Staley Wise Gallery sowie der Lola Garrido Collection

KuK - Kunst- und Kulturzentrum der StädteRegion Aachen (Monschau)

Vom rheinischen Expressionismus zur Abstraktion.
Carola Andries (1911-1989)
9.7. – 20.8.2017

Die Retrospektive erinnert an die Kölner Malerin Carola Andries, deren Gesamtwerk es wieder zu entdecken gilt. Die künstlerische Ausbildung erhielt sie von 1929 bis 1932 an den Kölner Werkschulen, wo sie bei dem Malerprofessor Friedrich Ahlers-Hestermann studierte. Nach Kriegsverpflichtung und Verlust des eigenen Ateliers sowie der meisten Bilder aus der Vorkriegszeit begann sie 1945 erneut zu malen. Sie knüpfte zunächst an ihr Frühwerk an, das von der französischen Moderne und dem rheinischen Expressionismus geprägt worden war. Ihre weitere Werkentwicklung zur Abstraktion verlief systematisch und folgerichtig im kunstgeschichtlichen Kontext der 1950er Jahre. In dieser Zeit erfuhr sie auch überregionale Anerkennung. So gehörte sie zu den wenigen Frauen, die als Mitglieder in den 1951 neugegründeten Deutschen Künstlerbund aufgenommen wurden. Bis Ende der 1960er Jahre beteiligte sich Carola Andries regelmäßig an wichtigen regionalen und nationalen Ausstellungen. Nach krankheitsbedingter, langjähriger Unterbrechung ihrer künstlerischen Arbeit und nach dem Tod ihres Mannes Professor Otto H. Gerster im Jahre 1982 wagte sie nochmals einen Neuanfang. In ihrem Spätwerk verarbeitete sie ostasiatische Studien sowie weltweite Reiseerlebnisse, die auch in Form von Zeichnungen und in Skizzenbüchern überliefert sind.
(Text der Kuratorin Dr. Dorit Litt)

Kunstverein Kreis Soest e. V. (Soest)

| Eröffnung im Rahmen von openART: 07.07. ab 18.00 Uhr

Erstmalig wird die hochkarätige und spannende Kunstsammlung des Kreises Steinfurt umfassend ausgestellt und unter verschiedenen, auch ganz neuen Aspekten vermittelt.

DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst (Hörstel)

Ausstellung in der Galerie Alte & Neue Meister Schwerin

Die Ausstellung zeigt zum ersten Mal den Erfinder des „Waldbodenstilllebens" im Kontext seiner Zeitgenossen. Sie stellt nicht allein die Schönheit von Stillleben ins Zentrum der Betrachtung, sondern die Faszination des Dunklen, Verborgenen, Unheimlichen.

Dabei sollen die vergessenen Verbindungen der Kunst mit der damaligen Wissenschaft erkennbar werden. Das 17. Jahrhundert erlebte einen Epochenwandel, der von der Buchgelehrsamkeit zur empirisch forschenden Naturwissenschaft führte und die Grundlage unseres heutigen Weltbildes schuf. Es ist das Jahrhundert des Mikroskops. Bis dahin unbekannte visuelle Welten, Dinge, die nie zuvor gesehen worden waren, verlangten nach Darstellung. Künstler gehörten damals zu den inneren Kreisen der Wissenschaft.
Otto Marseus van Schrieck stellte Pilze, Insekten und Spinnen, Amphibien und Reptilien, vor allem Schlangen, dar. All diese Pflanzen und Tiere wurden zu seiner Zeit intensiv erforscht, und ein berühmter Gelehrter wie Jan Swammerdam berief sich ausdrücklich auf Beobachtungen seines Freundes Marseus.

Gelehrte und Künstler unternahmen Reisen nach Italien, Frankreich und England. Briefe, Druckgraphik und Publikationen machten Erkenntnisse und Darstellungen in ganz Europa bekannt. Anhand dieser Zeugnisse persönlicher Beziehungen wird die Ausstellung die Netzwerke der Erkenntnisgewinnung aufzeigen. Erst in mühevoller Beobachtung wurde beispielsweise deutlich, dass auch die einfachsten Tiere sich nur durch Fortpflanzung vermehren, nicht durch Spontangenese.

Bei giftigen und heilkräftigen Substanzen gab es Schnittfelder zwischen Heilkunst und Malerei. Außerdem brachte Marseus echte Schmetterlings¬flügel
in seine Gemälde ein, die die Natur nicht nur abbilden, sondern geradezu vorweisen. Sowohl Gärten mit lebenden Pflanzen als auch umfangreiche Sammlungen von Insekten, Muscheln und anderen Naturalien wurden angelegt. Die Naturalien¬sammlungen erlangten internationale Bekanntheit – nicht zuletzt durch Bildatlanten. Wieder waren es die Künstler, die die vermittelnde Rolle spielten.

Der Zusammenhang der Stillleben mit wissenschaftlichen Erkenntnissen ihrer Zeit macht die Werke für den heutigen Betrachter lebendig. Es wird ablesbar, dass es sich um frühe Zeugnisse der Naturerkenntnis handelt, in denen die Tradition mit dem noch heute gültigen Weltbild ringt. Vor allem aber bringt
die Ausstellung eine Malerei zur Anschauung, die eine ganz eigene Faszination ausstrahlt und hier zum ersten Mal zum Thema gemacht ist.

„Die faszinierende Detailgenauigkeit von Otto Marseus van Schrieck wird die Besucher der Ausstellung gefangen nehmen. Diese Verbindung von Forschung und Kunstgenuss war es, die Ernst von Siemens mit seiner Kunststiftung unterstützen wollte“ freut sich Dr. Martin Hoernes, Generalsekretär der Ernst von Siemens Kunststiftung, die zu den Förderern des Ausstellungsprojektes zählt.

Staatliches Museum Schwerin / Ludwigslust / Güstrow (Schwerin)

Bei den formal wie inhaltlich vielgestaltigen Werken der Künstlerin Elsa Hagelskamp lässt sich ein roter Faden spannen. Denn allen abstrakten bis gegenständlichen Arbeiten gemein ist eine inhaltliche Genese. Der erste Arbeitsschritt ist intensive Vorarbeit - nach fundierter Recherchearbeit und auf konzeptionelle Weise tastet sich die Künstlerin an ihre Themen heran, bevor sie zur künstlerischen Formsprache findet.

Elsa Hagelskamp reflektiert in vielen ihrer Arbeiten gesellschaftliche, ökonomische und politische Aspekte unserer Welt. Sie ist nicht nur eine wache Beobachterin aktuellen Zeitgeschehens, sondern auch unermüdliche Erforscherin dessen historischer Verwurzelung. Dies findet Eingang in ihren Werken. So stößt man immer wieder auf Darstellungen, die Kriege, Flucht, ökonomische Tragödien, Diktaturen, Globalisierung und ihre sozialen, kulturellen wie politischen Auswirkungen verarbeiten.

Wie die Auseinandersetzung mit ihren Darstellungsthemen ist auch ihre gestalterische Umsetzung intensiv. Das Resultat ist ein vielschichtiger Malaufbau, der oft eine fast haptisch-plastische Wirkung erzeugt. Stetig ringt Hagelskamp in ihren Arbeiten um die bestmögliche Visualisierung der inhaltlichen Bedeutungsebene.

Elsa Hagelskamps künstlerische Arbeit zeigt den scharfsinnigen Blick der Künstlerin auf den Kosmos Welt, der in ihren Werken zurückgespiegelt wird und dem Betrachter vielerlei Denkanstöße bereitet.

GEDOK Künstlerinnenforum Karlsruhe (Karlsruhe)

Erstmalig werden Werke aus der hochkarätigen Kunstsammlung des Kreises Steinfurt umfassend ausgestellt und unter verschiedenen, auch ganz neuen, Aspekten vermittelt.

DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst (Hörstel)

Die dritte Ausstellung des Jahres im 2-RAUM ist dem Künstlerpaar Lothar Quinte und Sibylle Wagner gewidmet.

Lothar Quinte (1923 - 2000) zählt zu den bedeutenden Malern Deutschlands. In seinem Oeuvre lässt sich die Entwicklung der Moderne nach 1945 nachvollziehen. Es zählen Form, Linie, Farbe und Bewegung; Struktur und Komposition treten in den Vordergrund. Die Freiheit der Kunst ist das bestimmende Element. So entstehen abstrakte Bilder voller Farbflächen, die monochrom schwarz, manchmal wolkig bleiben oder von dünnen Schlitzen aus Licht und intensiven Farblinien mit Wucht geöffnet werden.

Sibylle Wagner (*1952) greift Farbfläche und Lichtspiel Quintes auf und überträgt sie ins 21. Jahrhundert. Sie arbeitet an den Übergangszonen zwischen den Kunstgattungen - Aktionskunst, Bildhauerei, Malerei, Grafik - und nutzt Materialien von Bronze bis neonfarbenes Plexiglas. Sie schafft Leuchtobjekte und monochromatische Fotografien. Quintes Lichtschlitze kondensieren sich in vielen ihrer Arbeiten, sie stülpen sich ellipsenförmig ins Innere und stürzen in die Tiefe. Das Ergebnis: philosophisch- gesellschaftskritische, erotische Arbeiten.

Text: Dr. Susanne Rockweiler, stellv. Direktorin Berliner Festspiele / Martin-Gropius-Bau, Berlin

Museum Art.Plus (Donaueschingen)

„Limits of Knowing“ erkundet die äußersten Grenzen rationalen Wissens. Inspiriert von der Agnoseologie – der „Lehre der Unerkennbarkeit“ – lädt das interdisziplinäre Programm zum Gleiten zwischen Vernunft und Vorstellung ein: In unserer Wissensgesellschaft unpopuläre Kompetenzen wie Ahnung, Befremden und Verblüffung führen die Besucher*innen in Tiefen künstlerischer, wissenschaftlicher und philosophischer Fragen. Mithilfe neuester technischer Geräte, wie mit Sensoren ausgestatteter Kleidung, Smartphone Apps und VR-Brillen, oder analoger Methoden wie Szenografie oder Narrative Spaces verwandeln immersive Kunstwerke Ideen in sensorische Erfahrung, Konzepte in „empfundenen“ Sinn und hinterfragen unsere Wahrnehmung von Wirklichkeit.

Martin-Gropius-Bau Berlin (Berlin)

Was bleibt von einem Menschen? Wie lässt sich Erinnerung inszenieren?

Stefan Kaegi hat acht Menschen begleitet, die die Zeit, die ihnen bleibt, nutzen, um sich damit auseinanderzusetzen, was nach ihrem Ende zurückbleiben soll. In Zusammenarbeit mit dem Bühnenbildner Dominic Huber entstanden so Räume, die in der Abwesenheit ihrer Protagonist*innen davon erzählen, was von einem Menschen bleibt, wenn er nicht mehr da ist: Eine EU-Botschafterin dokumentiert ihre Stiftung, mit der sie ihre Arbeit in Afrika nach ihrem Ableben fortsetzt. Ein Zürcher Muslim organisiert die Rückführung seines Leichnams in seine Heimatstadt Istanbul. Ein deutscher Bankier denkt am Ende seines Lebens über seine Position im Nationalsozialismus nach. Ein Demenzforscher wird sich darüber klar, dass er mit der Krankheit, die er ein Leben lang erforscht hat, selbst nicht leben will. Ein Base-Jumper schließt eine Risikolebensversicherung für seine Familie ab, damit im Falle seines Todes kein finanzieller Scherbenhaufen zurückbleibt. Und eine neunzigjährige Angestellte fragt sich, was Fotos von ihrem Leben erzählen werden.

„Nachlass“ zeigt Pyramiden oder Mausoleen des 21. Jahrhunderts, die von ihren späteren Besitzern selbst gestaltet wurden: Acht zeitgenössische Positionen dazu, was Hinterlassenschaft und Erbe heute bedeuten. Was möchten wir an die Menschen weitergeben, die wir lieben, und was an die Gesellschaft, in der wir leben? Das Publikum begibt sich in acht immersive Rauminstallationen und lässt sich von Stimmen, Objekten und Bildern an den Ort der Staffelübergabe zwischen den Generationen und die Grenzen der eigenen Existenz begleiten.

Teil des Programms Limits of Knowing

Konzept RIMINI PROTOKOLL (STEFAN KAEGI / DOMINIC HUBER)
Text STEFAN KAEGI
Szenografie DOMINIC HUBER
Video BRUNO DEVILLE
Dramaturgie KATJA HAGEDORN
Ton FRÉDÉRIC MORIER
Regieassistenz MAGALI TOSATO, DÉBORAH HELLE (Hospitanz)
Bühnenbildassistenz CLIO VAN AERDE, MARINE BROSSE (Hospitanz)
Technisches Konzept und Bau der Installation Théâtre de Vidy, Lausanne

Produktion Théâtre de Vidy, Lausanne
Koproduktion Rimini Apparat, Schauspielhaus Zürich, Bonlieu Scène nationale Annecy et la Bâtie-Festival de Genève dans le cadre du programme INTERREG France-Suisse 2014–2020, Maillon, Théâtre de Strasbourg–scène européenne, Stadsschouwburg Amsterdam, Staatsschauspiel Dresden, Caroline Performing Arts

Mit Unterstützung von Pro Helvetia – Fondation suisse pour la culture Fondation Casino Barrière, Montreux, Der Regierende Bürgermeister von Berlin – Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten

Bild: Rimini Protokoll: „Nachlass – Pièces sans personnes“
© Samuel Rubio

Martin-Gropius-Bau Berlin (Berlin)

„Die quälende Angst, die uns aus diesem Buch anweht, ist in manchen Augenblicken fast unerträglich; denn wie sollte man sich der Empfindung erwehren: dieses gehetzte Wesen bin ich?“
André Gide

Mehr als 100 Jahre nach seiner Entstehung wird das gesamte Manuskript des berühmten Romans von Franz Kafka „Der Prozess“ im Martin-Gropius-Bau in Berlin gezeigt. Blatt für Blatt wird es in der Reihenfolge aufgeschlagen, die ihm Kafkas Freund, Nachlassverwalter und Herausgeber Max Brod gegeben hat. Die Berliner Präsentation geht auf die Ausstellung „Der ganze Prozess“ aus dem Jahr 2013/2014 im Literaturmuseum der Moderne in Marbach zurück, das Manuskript gehört zu den Sammlungen des Deutschen Literaturarchivs Marbach.

In der Stresemannstraße 111, in unmittelbarer Nähe des Gropiusbaus (Stresemannstr. 110, damals Königgrätzer Straße), stand einst das Hotel Askanischer Hof. Im Askanischen Hof fand am 12. Juli 1914 jenes legendäre Gespräch Kafkas mit Felice Bauer, ihrer Schwester Erna und Felices Freundin Grete Bloch statt, nach dem die Verlobung von Franz Kafka mit Felice Bauer wieder gelöst wurde. Wie einen „Gerichtshof im Hotel“ empfand Kafka das Treffen, so beschreibt er es später in einem Tagebucheintrag. So entwickelte sich die Idee zu seinem Roman.
Im August 1914, der Erste Weltkrieg war bereits ausgebrochen, begann er mit der Niederschrift, die im Januar 1915 weitgehend abgeschlossen war. Heute gilt Der Prozess als Hauptwerk von Franz Kafka. Die erhaltenen 171 Blätter des Manuskripts widersprechen der Vorstellung, ein Roman entstehe linear und werde von Anfang bis Ende erzählt. Kafka, im Brotberuf Jurist bei der „Arbeiter-Unfall-Versicherungsanstalt“, schrieb in den rund sechs Monaten, die er am Prozess gearbeitet hat, Kapitel und Kapitelteile in zehn verschiedene, meist 40 Blätter umfassende Hefte im Quartformat. Erstmals erschien das Werk, herausgegeben von Max Brod aus dem Nachlass des 1924 Verstorbenen, 1925 im Berliner Verlag „Die Schmiede“.

Ergänzt wird die Ausstellung um Vorführungen der Verfilmung von Orson Welles aus dem Jahre 1962 und Fotografien aus der Sammlung Klaus Wagenbach. Die Auswahl der Fotografien haben Klaus Wagenbach und Hans-Gerd Koch kuratiert. Zudem werden Übersetzungen des Prozess in mehr als 35 Sprachen der Welt zu sehen sein.

Das kostbare Manuskript war 1988 in einer gemeinsamen Anstrengung von Bundesregierung, Kulturstiftung der Länder und Land Baden-Württemberg auf einer Londoner Auktion für rund 3,5 Millionen Mark erworben worden, damals das teuerste je auktionierte Manuskript.

Häufig arbeitete Kafka an mehreren Kapiteln zugleich in verschiedenen Heften, Seite an Seite mit Tagebucheinträgen und Entwürfen zu anderen Texten. Nur einen Tag nachdem er die Arbeit am Roman aufgenommen hatte, notierte er in sein Tagebuch: „Gar nicht geschlafen. Nachmittag drei Stunden schlaflos und dumpf auf dem Kanapee gelegen, in der Nacht ähnlich. Es darf mich aber nicht hindern.“

Seine zehn Manuskripthefte hat Kafka aufgelöst, mit Deckblättern (gefalteten bzw. halbierten Seiten aus einem Typoskript von „Der Heizer“, dem 1913 veröffentlichten Kapitel seines ebenfalls unvollendet gebliebenen Amerika-Romans „Der Verschollene“) eingeschlagen und zu 16 Konvoluten geordnet.

Im Januar 1915 brach Kafka die Arbeit am „Prozess“ ab. Im September 1915 veröffentlichte er einige Seiten in der jüdischen Wochenzeitung „Selbstwehr“. 1920 schenkte er das gesamte Manuskript seinem Freund Max Brod. Doch bereits 1921/22 bat er ihn, seine unveröffentlichten Texte „restlos und ungelesen zu verbrennen“.

Brod folgte diesem Wunsch nicht und veröffentlichte 1925, ein Jahr nach Kafkas Tod, eine Auswahl aus dem „Prozess“-Manuskript; weitere Ausgaben folgten 1935 und 1946. Er deutete den Teil „Jemand musste Josef K. verläumdet haben“ und die neun nur mit einem Deckblatt versehenen Konvolute als abgeschlossen, brachte sie in eine Reihenfolge, korrigierte im Manuskript vermeintliche Fehler, vereinheitlichte die Rechtschreibung und ergänzte Satzzeichen. Die anderen sechs in die Typoskriptseiten des Heizers eingeschlagenen Konvolute mit ihren insgesamt 19 Blättern ließ er als Fragmente unpubliziert.

Als Brod Mitte März 1939, nur wenige Stunden vor dem Einmarsch der Wehrmacht, Prag verließ, hatte er unter anderem das „Prozess“-Manuskript bei sich. Er reiste nach Palästina aus und schenkte die Handschrift nach dem Krieg seiner Sekretärin und Lebensgefährtin Esther Hoffe. 1988 entschloss sie sich zum Verkauf. In einer beispiellosen Spendenaktion konnte das Manuskript für das Deutsche Literaturarchiv Marbach erworben werden.

VERANSTALTER Berliner Festspiele / Martin-Gropius-Bau
Eine Ausstellung des Martin-Gropius-Baus und des Deutschen Literaturarchivs, Marbach.

Martin-Gropius-Bau Berlin (Berlin)

Der Mensch steht der Welt nicht gegenüber, sondern ist Teil des Lebens. Jeder Mensch ist das was er ist auch durch den sozialen Kontext in dem er lebt.

In meinen Bildern geht es um existentielle Fragen der Menschen, wie sie auch in der Literatur zu finden sind, u.a. auch in den Büchern von Haruki Murakami wie „der Zaubervogel“, „Kafka am Strand“, in denen er den Leser zu Orten führt, die man zuvor nie gesehen hat aber von denen man ahnt, dass sie verankert sind im eigenen Inneren.
Ferner haben mich u. a. die Filme, bzw. die Bücher „Schlafes Bruder“ und „Das finstere Tal“ inspiriert, ebenso wie auch Herrmann Hesses Bücher „Siddhartha“, etc. und auch die Bücher Marlen Haushofers, „Die Wand“ oder „Der Himmel der nirgendwo endet“ .
Literatur zeigt auf, weist hin, aber sie erfindet auch. Malerei ist für mich die Herausforderung das sichtbar zu machen, was sich dem Sichtbaren entzieht.
Die Inspiration durch Literatur ist vielfältig. Während des Lesens und der Auseinandersetzung mit Literatur entstehen bei mir Bildideen, die ich dann weiter entwickele und verwirkliche. Mein künstlerisches Schaffen ist natürlich immer auch ein Ordnen des eigenen Lebens im Zusammenhang mit dem sozialen Geschehen.

Kunstverein Kreis Soest e. V. (Soest)

Die Natur unterliegt einem immerwährenden Prozess des Werdens und Vergehens und bezaubert uns durch ihre scheinbar unerschöpfliche Formen- und Farbenvielfalt. Der Mensch, selbst Teil der Natur, erkennt sie bereits seit der Antike als Lehrmeisterin an und versucht, ihre Gesetzmäßigkeiten zu erforschen. In der Kunst hielten im Verlauf der 1960er-Jahre Naturmaterialien Einzug in die Ausstellungsräume: Das Material selbst und nicht mehr das Abbild einer Landschaft geriet in den Blickpunkt. Auch verlagerte sich umgekehrt Kunst als Land Art nach draußen, in die Natur. Für die Ausstellung wurden sechs internationale zeitgenössische Positionen ausgewählt. Die über 20 Installationen, Objekte, Wandarbeiten und Skulpturen aus Materialien wie Muscheln, Federn, Sepiaschalen, Blättern, Kork, Pferdehaaren oder Rosenblüten lenken den Blick auf die Schönheit, Leichtigkeit und Fragilität der in der Natur aufzufindenden Materialien. Sie verweisen aber auch auf die faszinierende Systematik und gestaltende Kraft, die der Natur innewohnt. Bei dem Erforschen, Sammeln und Ordnen des Vorgefundenen, bei dem Erschaffen neuer Formen und Kontexte handelt es sich um eine respektvolle Aneignung des von der Natur Hervorgebrachten. Die Ausstellung liefert überraschende und nachdenklich stimmende Anregungen, dem vielschichtigen Verhältnis von Kunst und Natur nachzuspüren.

KünstlerInnen:
Bethan Huws (GB, Abb.)
Christiane Löhr (DE)
Alastair Mackie (GB)
David Nash (GB)
Regine Ramseier (CH)
Herman de Vries (NL)

Die Ausstellung begleitet ein Katalog.

Museum Kunst der Westküste (Alkersum/Föhr)

Erstmals außerhalb der Niederlande wird die künstlerische Arbeit des friesischen Malers Jopie Huisman (1922–2000) präsentiert. Seine realistischen, anrührenden Gemälde und Zeichnungen sind Zeugnisse des einfachen Lebens. Huisman, zugleich Lumpen- und Altmetallhändler, wurde als Autodidakt bereits zu Lebzeiten zur Legende und erlangte in den Niederlanden große Berühmtheit. In seiner Heimatstadt Workum ist ihm ein eigenes Museum gewidmet. Seine Bilder von Schuhen, Lumpen oder Puppen galten ihm gleichsam als Porträts seiner Mitmenschen, denen er Würde und Bildwürde zusprechen wollte. Damit schuf er eine Hommage an das einfache Leben der Friesen, ihre Landschaft und Kultur. Die Werke, die oftmals den Blick auf Absurditäten des menschlichen Zusammenlebens richten, berühren dabei durchaus existenzielle Fragen und sind mit einer Botschaft versehen, die von der Barmherzigkeit als etwas universell und zeitlos Menschlichem erzählt. Die Ausstellung präsentiert Werke aus dem Jopie Huisman Museum, Workum, ebenso wie solche aus einer Schweizer Privatsammlung. Sie entsteht in Kooperation mit dem Jopie Huisman Museum, Workum (NL).

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog in deutscher, englischer, niederländischer und friesischer Sprache.

Museum Kunst der Westküste (Alkersum/Föhr)

Zum 150. Geburtstag von Käthe Kollwitz lenkt das Käthe Kollwitz Museum Köln die Aufmerksamkeit auf das bedeutendste Ehrenmal für seine Künstlerin: Das Kollwitz-Denkmal von Gustav Seitz, 1961 auf dem Berliner Kollwitz-Platz am Prenzlauer Berg aufgestellt. Begleitet von Portraits und Selbstportraits der wichtigsten deutschen Künstlerin des 20. Jahrhunderts lädt das Museum dazu ein, die spannende Entwicklung des Denkmals anhand von Zeichnungen, Modellen und Werkstatt-Photographien nachzuvollziehen.

Das überlebensgroße Denkmal zeigt Kollwitz als alte sinnende Frau, sitzend, mit einer großen Zeichenmappe an ihrer Seite und einem Kohlestift in der in ihrem Schoß ruhenden Hand. Seitz entwickelt die Plastik von 1956–60 nach dem letzten lithographischen Selbstbildnis von Käthe Kollwitz aus dem Jahr 1938. Indem der Bildhauer die Künstlerin zitiert, bringt er den von ihr selbst vorgegebenen Typus zu einer neuen, einzigartigen Prägung. Seitz erschafft ein Bildnis ganz im Sinne der Portraitierten: ein Denkmal, das nach Allgemeingültigkeit strebt und auf offizielle Repräsentationsformen verzichtet – ohne Anspruch auf Romantisierung und Idealisierung.

Sein Denkmal gehört zweifellos zu den wichtigen Bildhauerwerken jener Jahre, ist Höhepunkt und Zäsur auch im Lebenswerk von Gustav Seitz. Als Student hatte er die Professorin Käthe Kollwitz noch selbst erlebt – für sein Kunstverständnis sowie für die Frage nach dem Menschenbild in seiner Zeit ist sie als Person und als Künstlerin der Moderne von großer Bedeutung.

Die Ausstellung in Zusammenarbeit mit der Gustav Seitz Stiftung, Hamburg, dokumentiert die spannende Entwicklung der Bildfindung: von ersten Skizzen über technische Zeichnungen und Gipsmodelle bis hin zu unterschiedlichen, in Bronze gegossenen Versionen. Historische Photographien aus dem Atelier des Künstlers geben zusätzliche Einblicke in sein Schaffen.

Öffentliche Führungen
Sonntags // 15 Uhr | Donnerstags // 17 Uhr
Kosten: nur Eintritt

Käthe Kollwitz Museum Köln (Köln)

Begleitend zur Sonderausstellung »Gustav Seitz – Ein Denkmal für Käthe Kollwitz« (13. Juni – 17. September 2017) stehen rund um den 150. Geburtstag der Künstlerin die Portraits und Selbstportraits der Kollwitz im Zentrum der Sammlungspräsentation – vom frühesten Selbstbildnis in Feder und Tusche bis hin zu jener letzten Lithographie, die Seitz als Vorbild für sein Denkmal diente.

Die mehr als 60 Werke aus der Kölner Kollwitz Sammlung sind eindrucksvolle Zeugnisse einer permanenten und intensiven Selbstbefragung. Getreu ihres Prinzips »Ich will wahr sein, echt
und ungefärbt« entwickelt Kollwitz ihr Portrait in autonomen und verkappten Selbstbildnissen zu einem unverkennbaren Typus, selbstkritisch und in ungeschönten Zügen.

Auch weitere Künstler – Bildhauer wie Ernst Barlach, der Pressezeichner Emil Stumpp oder Maler und Graphiker wie Hedwig Weiß und Max Uhlig – haben die ausdrucksstarke Physiognomie von Käthe Kollwitz als Hommage an die große Menschenfreundin in eigenen Werken wiedergegeben.

Die Ausstellung zeigt darüber hinaus den photographischen Blick auf Kollwitz mit Aufnahmen u. a. von Philipp Kester, Hugo Erfurth, Robert Senneke, E.O. Hoppé, Lotte Jacobi und Tita Binz. Historische wie zeitgenössische Publikationen und Archivalien geben Auskunft über die Rezeptionsgeschichte des Kollwitz-Werkes, Zitate aus Briefen und den Tagebüchern ergänzen die Schau.

Öffentliche Führungen
Sonntags // 15 Uhr | Donnerstags // 17 Uhr
Kosten: nur Eintritt

Käthe Kollwitz Museum Köln (Köln)

Im Gedenken an die früh verstorbene Künstlerin Ulrike Michaelis (1958-2015), die an der Kunstakademie Karlsruhe bei Harry Kögler studiert hatte und in der Sammlung Rastatt mit Arbeiten vertreten ist, zeigt die Ausstellung exemplarische Werke ihres Schaffens. Dabei werden Entwicklungsstränge ihrer Seh- und Ausdruckweisen deutlich, worin sie intuitives Abstraktions- und Kompositionsvermögen mit figurativen Chiffrierungen verknüpft und zunehmend auf zeichenhafte Körperfragmente und Gefäßembleme zurückgreift, in denen sprechende Empfindungsgesten sichtbar werden. Ihrer Kunst ist ein subtiles Farbgefühl eigen, das zumeist in einer Spannung zu den figurativen Elementen flächig-konstruktiv umgesetzt wird.

Städtische Galerie Fruchthalle (Rastatt)

Die Ausstellung »Hybrid Layers« zeigt neue Perspektiven auf digitale Technologien, das Internet und soziale Netzwerke auf. Sie untersucht sowohl virtuelle als auch physische Erscheinungsformen einer neuen Art der Medienkunst sowie ihre vieldeutige, verführerische wie auch ironische Ästhetik.

»Wenn die Menschen nur auf ihre Regenschirme verzichten würden … dann wäre der Regen kein Problem mehr.«
– Riccardo Benassi

»Hybrid Layers« erkundet die vielfältigen Aspekte dessen, was als »digital condition«, als »Bedingung des Digitalen«, bezeichnet werden kann. In der Ausstellung wird das Digitale zum Schlüssel – zum »Apriori« – das den spezifischen Kosmos der kulturellen und konzeptuellen Szenarien, die von den einzelnen Arbeiten aufgezeigt werden, eröffnet. Die Ausstellung lenkt den Blick auf eine Generation von KünstlerInnen, die sich mit der wachsenden Präsenz der digitalen Sphäre und ihren Auswirkungen konfrontiert sehen.

Zur Zeit ihrer Entstehung war es möglich, Medienkunst als abschließende Kategorie zu behandeln. Heute hingegen bedeutet die Fokussierung auf Kunstwerke, die sich mit den umfangreichen Themen der Technologie und des Digitalen beschäftigen, in die Komplexität eines Feldes vorzudringen, das nicht unter eine spezifische Gattung oder ein Genre subsumiert werden kann. Die Ausstellung würdigt die multiplen Perspektiven, die durch Technologien offenkundig werden. Damit nimmt sie den Versuch vor, die verschiedenen Stränge einer offenen und vielseitigen und den Technologiediskurs von allen restriktiven Kategorisierungen befreienden Erzählung zu untersuchen.

»Wir sind so daran gewöhnt, in künstlichen Umgebungen zu leben, und wir sind so abhängig von Artefakten, dass wir oft vergessen, was sie eigentlich tun. […] Nur kommen sie nie als Objekte zur Welt, sondern immer als Projekte. Sie haben eine Geschichte, sie stecken voller Konflikte, sie bringen zahlreiche unbeabsichtigte Konsequenzen mit sich, sie erobern die Welt im Zickzackkurs«, so Bruno Latour über die wechselseitige Beziehung, die uns seiner Ansicht nach mit Technologien verbindet.

Wenn wir annehmen, dass Kunstwerke als Projekte in die Welt kommen und eben nicht als Objekte, dann können sie uns helfen, neue Orientierungen zu finden, indem sie Innovationen in ihren konkreten Ausprägungen, ihren Existenzweisen, hinterfragen und unseren Blick auf Technologie ständig verschieben und umschichten. Mit ihrem experimentellen Format folgt »Hybrid Layers« dieser Richtung anhand der Werke von KünstlerInnen, die sich eine Welt ohne das Internet kaum vorstellen können. Die Installationen, die in der Ausstellung gezeigt werden, erscheinen als vielschichtige Projekte, die sich mit zeitgenössischen Debatten befassen. Sie reflektieren, wie tief Technologien in Formen der Wissensproduktion, Wahrnehmung und Interaktion eingebettet sind. Damit legen sie ein Set von Praktiken offen, die unter einem Blickwinkel operieren, der weit über Medien hinaus- und in die alltägliche Erfahrung unserer Welt übergeht.

Wenn wir unseren Diskurs vom Bedürfnis nach restriktiven Kategorien befreien, dann tritt die Komplexität unserer Umgebung zutage – sei dies die materielle Beschaffenheit unserer Umwelt oder die Immaterialität der digitalen Sphäre – dann zeigen sich die kaleidoskopischen Facetten der Funktionen, Widersprüche, Phänomene, die uns in allen Bereichen unseres Lebens umgeben. Sobald die Kategorie aufgelöst ist, wird das Feld zu einem hybriden Nest voller multipler, mehrschichtiger Möglichkeiten.
Teilnehmende KünstlerInnen:

Riccardo Benassi
Enrico Boccioletti
Anne de Vries
Aleksandra Domanovi?
Ed Fornieles
Guan Xiao
Yngve Holen & Aedrhlsomrs Othryutupt Lauecehrofn
Yu Honglei
Delia Juergens
Daniel Keller
Lawrence Lek
Metaphysics (Beteiligte KünstlerInnen: Eddie Peake, Florian Meisenberg, Anne de Vries, Rubén Grilo, Mélodie Mousset & Näem Baron, Jack Strange und Anna K.E.; produziert von: Philip Hausmeier)
Katka Novitskova
Yuri Pattison

Credits

Giulia Bini (Kurator/in)
Sabiha Keyif (Kurator/in)
Daria Mille (Kurator/in)
Philipp Ziegler (Kurator/in)

ZKM | Zentrum für Kunst und Medien (Karlsruhe)

Der international viel beachtete argentinische Künstler Tomás Saraceno (geb. 1973, lebt und arbeitet in Berlin) erstmals mit einer grossen Einzelausstellung in der Schweiz zu sehen sein.
Mit seinen raumfüllenden Installationen, die an der Schnittstelle von Kunst, Architektur und Naturwissenschaft entstehen, befragt Tomás Saraceno künftige Formen menschlichen Zusammenlebens, die aufgrund der künstlerischen Recherche ökologische und soziale Beziehungen verbessern könnten. Als diplomierter Architekt und Meisterschüler von Thomas Bayrle an der Frankfurter Städelschule spannt sich Saracenos Interesse von strukturellen Studien über die Biologie bis zur Atmosphärenphysik hin.
Seit mehreren Jahren untersucht Saraceno Spinnen und deren Netze. In Zusammenarbeit mit Arachnologen hat er in seinem Studio mehrere offene Rahmen errichtet, die rund 300 Webspinnen beherbergen. Insgesamt zwölf Arten, die als solitäre, semisoziale und soziale klassifiziert werden, bewohnen die Rahmen. Saraceno lässt die Spinnen auf die Netze der anderen stossen und beobachtet die Entstehung neuer, hybrider Netzstrukturen, die vom Konzept her an hypermoderne Stadtlandschaften erinnern. Ein Teil der Ausstellung im Museum Haus Konstruktiv wird dieser Recherche gewidmet sein. Daneben präsentiert Saraceno das von ihm initiierte «Aerocene Project». Bei diesem Projekt handelt es sich um luftgefüllte Skulpturen, die allein durch natürliche Thermik (durch Sonneneinstrahlung und die Infrarotstrahlung der Erdoberfläche) schweben können, also weder auf fossile Brennstoffe und Edelgase noch auf Solarzellen oder Batterien angewiesen sind. Saraceno beschreibt seine Vision eines ökologischeren und nachhaltigeren Territoriums in der Luft – das er als «Wolkenstädte» bezeichnet – mit folgenden Worten: «Aerocene begins now as a past-becoming-future technology. […] In the near future, it will define the age of the post-fossil-fuel travel, a pace of living that is in tune and at the whim of the wind.»

Museum Haus Konstruktiv (Zürich)

Zeitgleich zur Einzelausstellung von Tomás Saraceno würdigt das Museum Haus Konstruktiv das rund 50-jährige, im Umfeld von Minimal Art, Land Art und Konzeptkunst verortete Schaffen des Schweizer Künstlers Jürg Stäuble (geb. 1948 in Wohlen, lebt und arbeitet in Basel) mit einer umfangreichen, retrospektiv angelegten Einzelausstellung.
Obwohl seine raumdurchdringenden Skulpturen und Installationen meist aus mathematischen Überlegungen, Konstruktionszeichnungen und Modellen hervorgehen, ist Jürg Stäuble kein konstruktiver Künstler im gängigen Sinne. Für ihn ist Geometrie mehr Ausgangspunkt als Ziel und doch folgen seine Arbeiten präzisen Spielregeln. Basierend auf Sechseck- oder Kreisstrukturen sowie auf Ordnungssystemen wie Reihung, Verschiebung, Schichtung und Durchdringung fragen sie nach den Eigenschaften des Raumes und seiner Wahrnehmung. So sind seine künstlerischen Interventionen in der deutschsprachigen Schweiz auch häufig am Bau und im öffentlichen Raum anzutreffen.

Museum Haus Konstruktiv (Zürich)

Das künst­le­ri­sche Werk von Willi Müller-Hufschmid spannt den Bogen vom Realismus der zwanziger Jahre über expres­si­ve Dar­stel­lun­gen aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs bis hin zur Ab­strak­tion der Nachkriegs­zeit. Mit über 700 Zeich­nun­gen und einer reprä­sen­ta­ti­ven Auswahl an Gemälden besitzt die Städti­sche ­Ga­le­rie Karlsruhe einen Großteil seines künst­le­ri­schen Nach­las­ses mit Schwer­punkt auf der Schaf­fens­zeit der frühen 1940er- bis zur Mitte der 1960er-Jahre. Eine reprä­sen­ta­ti­ve ­Aus­wahl von etwa 70 Zeich­nun­gen aus der eigenen Sammlung stellt die Facetten seiner Entwick­lung vor und vermittelt einen ­Über­blick über seine wesent­li­chen Schaf­fens­jahre. Geprägt von den wechsel­vol­len politi­schen Verhält­nis­sen des 20. Jahrhun­derts ­sind seine Arbeiten nicht nur ein Zeitdo­ku­ment höchsten Ranges, sondern belegen zugleich eindrucks­voll die Entwick­lung eines ­Ma­lers, der seinen Weg trotz schwie­rigs­ter Umstände unbeirr­t ­ver­folgte. Neben einer größeren Zahl an Selbst­bild­nis­sen werden ­ex­pres­sive Zeich­nun­gen vorge­stellt, die der Künstler in der Zeit ­sei­ner Tätigkeit als Schran­ken­wär­ter in Konstanz während des Zwei­ten Weltkriegs schuf. Sie reflek­tie­ren nicht nur seine ­be­drückende persön­li­che Situation, sondern verleihen auch seiner ­kom­pro­miss­lo­sen Ablehnung des faschis­ti­schen Regimes in teils of­fe­nen, teils metapho­risch verschlüs­sel­ten Formu­lie­run­gen ­Aus­druck. Nach Kriegsende setzte eine neue Entwick­lung ein, die Schritt für Schritt zur Abstrak­tion führte und den Künstler zum Weg­be­rei­ter einer neuen Kunst­auf­fas­sung im südwest­deut­schen Raum ­machte.

Foto: Willi Müller-Hufschmid, Selbstporträt gespiegelt, um 1941/45, Städtische Galerie Karlsruhe

Städtische Galerie Karlsruhe (Karlsruhe)

Ausstellung auf Schloss Güstrow

Das Staatliche Museum Schwerin / Ludwigslust / Güstrow veranstaltet im Reformationsjahr 2017 unter dem Titel Cranachs Luther! eine Ausstellung
zu Lucas Cranach dem Älteren und Lucas Cranach dem Jüngeren.
Die Wittenberger Malerdynastie stand in engem Kontakt zu namhaften Reformatoren wie Martin Luther oder Philipp Melanchthon und begleitete
mit ihren Gemälden und Grafiken die Zeitgeschehnisse. Beide Künstler galten
als die „Maler der Reformation“ und prägten im Wortsinn bis heute unser Lutherbild.

Erstmals präsentiert das Staatliche Museum die eigenen Bestände der Werke von Lucas Cranach dem Älteren, Lucas Cranach dem Jüngeren und ihrer Werkstatt in einer Sonderausstellung im Schloss Güstrow. Zu sehen sind die Zeichnungen zum Altar in der Wittenberger Stadtkirche sowie 16 Druckgrafiken, die für die Verbreitung der Gedanken der Reformation von zentraler Bedeutung waren.
Im Zentrum der Ausstellung stehen 12 Gemälde der Cranachs, die einen guten Einblick in das Schaffen der Maler ermöglichen.

Die Schau ist als Kabinettausstellung in zwei Räumen von Schloss Güstrow konzipiert. Wichtige Werke wie das Jugendbildnis Martin Luthers und seiner Frau Katharina von Bora befinden sich im Besitz des Staatlichen Museums.
Mit dem ganzfigurigen Luther-Porträt zeigt die Ausstellung ein Werk, das von zentraler kultur- und kunstgeschichtlicher Bedeutung ist. Es stammt aus der Schweriner Schlosskirche, dem ersten protestantischen Kirchenbau Norddeutschlands, und steht im Blickpunkt der Schau.

Die Kabinettausstellung wird begleitet von dem Vermittlungsprogramm
„Pop up Cranach“, einem Bereich für Kinder und Schüler, der 2015 im Rahmen der Cranach-Ausstellung in der Gemäldegalerie Berlin entstand. Aufgrund des großen Erfolgs war „Pop up Cranach“ bisher in mehreren Städten Deutschlands zu sehen. Kinder und Schüler können hier das Motivrepertoire der Cranachs auf spielerische Weise erkunden und selbständig eigene und neue Bildideen kreieren.

Staatliches Museum Schwerin / Ludwigslust / Güstrow (Schwerin)