Galerie Guido W. Baudach

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Galerie Guido W. Baudach

Pohlstraße 67
D-10785 Berlin
Tel: +49 (0) 30 319 981 01
Fax: +49 (0) 30 319 981 03
Tue - Sat, 11am - 6pm
Künstler der Galerie


Aktuelle und kommende Ausstellungen

14.09.2019 - 19.10.2019
The Beer Promoter
Vernissage: 13.9.2019
Künstler: Erik van Lieshout,

26.10.2019 - 07.12.2019
Vernissage: 25.10.2019, 18.00 Uhr
Künstler: Andy Hope 1930,

Andy Hope 1930 und seine künstlerische Praxis sind bekannt für die konzeptuelle Verlinkung von Avantgarde und Popkultur. Dabei verbindet er Elemente aus Comic, Film und Science-Fiction Romanen mit den Gestaltungsprinzipien der Moderne.

"HEEDRAHTROPHIA", die achte Einzelausstellung des in Berlin lebenden Künstlers mit der Galerie Guido W. Baudach, versammelt eine Gruppe neuer Arbeiten, in denen Hope ein dem japanischen Animationsfilm der frühen Siebziger Jahre entlehntes Motiv unter Anwendung verschiedener Strategien auf die Frage hin erprobt, wie progressive Malerei heute aussehen könnte.


27.04.2019 - 08.06.2019
Club Strangeness (Hubble Ultra Deep Space)
Vernissage: 26 April 2019, 6-9PM
Künstler: Björn Dahlem,

For Gallery Weekend Berlin 2019, Galerie Guido W. Baudach is pleased to present Club Strangeness (Hubble Ultra Deep Space), the seventh solo exhibition of Björn Dahlem with the gallery.

Since the late 1990s Björn Dahlem in his work explores the connection between an aesthetic universe and scientific images of the world. His installations, sculptures and objects are mostly made of simple materials that he transforms into precisely composed and clearly handmade forms. The structural complexity of Dahlem’s work is derived from the intricacy of the cosmological models and astrophysical theories from which he gleans his motifs. Dahlem uses subtle humor to link the scientific knowledge with the aesthetics of everyday life while questioning the suggestive power of science’s own fiction of the world.

In the run-up to the exhibition we have talked with Björn Dahlem and asked him what Club Strangeness (Hubble Ultra Deep Space) is all about.

GWB: Hello, Björn. After more than 15 years, there’s once again an exhibition of your work with »Club« in its title. Would this have something to do with a return to the hedonism of the millennium era?

BD: Hedonism is not the primary focus; nor was this really the case with my exhibitions at the beginning of the 2000s. It’s more about the aspect of direct, personal communication between art, audience and artist. About coexisting in an undefined situation of otherness and intimacy, of openness and hermeticism. Just like in a club.

GWB: Whereas the »strangeness« you also refer to in the exhibition’s title is very fitting to the specific atmosphere in Berlin at that time, I think.

BD: I think we’ve been living in a state of strangeness for a long time; not just in Berlin, but all over the world. We have access to an incredible amount of information, more research is being conducted than ever before, and we think of ourselves as incredibly fact-driven and rational. On the other hand, most people probably sense how little truth there is in this, how emotional and inexplicably strange we actually are. For me, a nice metaphor for this inner contradiction can be found in the quantum physical state of strangeness. This is a purely mathematical, totally abstract physical property, which was thus named simply for the sake of clarity. Contradiction is ubiquitous today; in politics, for instance, where the light of reason seems to battle against emotional darkness. But it’s not just fake news and conspiracy theories that complicate the world; facts are also making everything more and more diffuse. Quantum physics has known this since the 1920s, but it’s only now that this awareness is unmistakably trickling into society and creating uncertainty everywhere.

GWB: The subtitle of the exhibition alludes to an object that has often been part of your work: the Hubble Space Telescope, which has provided us with unprecedented images of our universe over the last 25 years, as well as fundamental insights into its makeup and structure. Not least among these are images of astronomical phenomena that are among the central, recurring themes and motifs of your artistic practice: star clouds, galaxies, black holes, dark matter, and so on. What significance does the Hubble telescope have for you and your work?

BD: The Hubble telescope has provided us with truly breathtaking images of the universe, of which one has particular significance to me: the Hubble Ultra Deep Field. At that time, this was the deepest mankind had ever looked into space; the most distant objects captured in the image are more than 13 billion light years away. Astronomers and astrophysicists currently estimate that the size of the universe is about 15 billion light years. This means that the Hubble Ultra Deep Field was the first look at the edge of the universe as well as a look 13 billion years into the past. I found the dimensions of deep space completely incredible and wondered why this image wasn’t on the front page of every newspaper. It can only be because the spatial and temporal dimensions are too enormous for people to comprehend and are therefore dismissed as somehow unreal. These are scientific facts that are simply too unbelievable.

GWB: That brings us to the defining element of the exhibition: an expansive, walk-in wooden construction that gives the impression of being a sculptural image of the universe.

BD: In recent years, mainframe computers have become so powerful that cosmologists can now generate detailed simulations of major structures in outer space. Using the positions of thousands of galaxies, they calculate the overarching material structure of the universe, the so-called »superstructures«. These follow the laws of geometry and arrange themselves in polygon patterns that generate a kind of meshed or foam-like three-dimensional structure. I use these fundamentally simple forms in my installation to create a private universe, a strange club.

GWB: And in this club one finds some symbolic objects, including a metronome. What’s the significance of this?

BD: In quantum physics, it is becoming more and more apparent that all matter is made up of information following the binary code: 0 and 1, tick and tock. This is the basic beat and ornament of the world, and can be found everywhere in infinite variation.

GWB: And the electric scooter?

BD: The scooter transports a large dodecahedron. This is one of the five Platonic solids, the ancient symbol of the element of the heavens, a sacred taboo that was not spoken of at that time. But the dodecahedron also represented unexplainable melancholy, and it is indeed somewhat melancholic that, in spite of having the latest space exploration technology, we can hardly move in the gigantic space that surrounds us. Even a trip to Mars, which might happen in 10-15 years, wouldn’t even be a step out the front door by our earthly scale. With a scooter you can at least make a quick trip to the bakery.

GWB: The installation refers to the particular materials you prefer in your sculptural work: hardware store utensils, sources of light and objets trouvés – all things you have been continually dealing with since your time at the Düsseldorf Arts Academy in the mid to late ‘90s. How do these everyday, sometimes banal materials tie into the often highly scientific themes of your work?

BD: These simple materials create a sense of closeness because they seem to be unquestionably real to us. At the same time, they create a counter-aesthetic to the conventional idea of optimization, the belief that all the imperfections of this world can be eliminated, even in art. My works are imperfect and flawed, but made so with precision.

GWB: Amongst the smaller sculptures are three vitrines, also polygonally constructed, that are particularly striking. Seen from afar they can be perceived as sculptural objects, but on closer inspection one realizes they are also settings for miniature room installations; and in this respect, if I am seeing it correctly, they are bound to the idea of the picture-in-picture. Now, various kinds of vitrines have been a frequent part of your work, over a long period of time. Nonetheless, I have the impression that we are dealing here with a thoroughly new type of work.

BD: The picture-in-picture is an established artistic strategy to remind the viewer this is “only” an image they’re looking at, not an assertion of truth. This is exactly in line with the idea of the scientific model, which is not about eternally valid truths, nor about the reality of the world, but merely about a reflection; a mirror image that can be changed and readjusted again and again. I believe that this thought is even more present in the new vitrines because their external form is more closely aligned to the large installations, and also because they internally codify themselves in a more complex way in terms of perspective. This lends a formally new aspect to the work, but also brings back something that existed in my early works. Something I would call “romantic irony.”

GWB: What exactly do you mean by that?

BD: A certain lightness and humor that reconciles the many contradictions of life in the parallel world of art.

GWB: Well then: Thank you, Björn. And welcome to the club!

Björn Dahlem, born in Munich 1974, lives and works in Potsdam. He is professor at the Bauhaus-University Weimar. His work has been shown at numerous institutions at home and abroad, such as Kunsthalle Münster, Germany; Kiyoharu Shirakaba Museum, Hokuto, Japan (2018); Gyeonggi Museum of Modern Art, Gyeonggi-do, South Korea; Artscience Museum, Singapore (2017); Mori Art Museum, Tokyo (2016); Berlinische Galerie. Museum für Moderne Kunst, Berlin (2015); Matadero Contemporary Art Center, Madrid; Bundeskunsthalle, Bonn (2014); MoCA, Taipei; Kunstmuseum Stuttgart (2013); Sammlung Philara, Düsseldorf; Kunstverein Braunschweig; Kunsthalle Rostock (2012); Mudam, Luxembourg; Marta Herford, Germany, Kunsthalle Wien, Austria (2011); Kunstmuseum St. Gallen, Switzerland; National Museum of Art, Architecture and Design, Oslo; Temporäre Kunsthalle, Berlin, (2010); La Conservera, Murcia, Spain (2009); ZKM, Karlsruhe; Sammlung Falckenberg, Hamburg (2008); Bregenzer Kunstverein, Austria; kestnergesellschaft, Hanover (2007); Hirshhorn Museum, Washington DC; Museo Tomayo, Mexico City; Busan Museum of Modern Art, South Korea (2006); Hamburger Kunsthalle (2005); Hammer Museum, Los Angeles; Hamburger Bahnhof, Berlin; FRAC, Marseille (2004); Kabinett für aktuelle Kunst, Bremerhaven (2003); Kunstverein Hannover (2002); Museum Abteiberg, Mönchengladbach; Van Bommel Museum, Venlo (2001); Neuer Aachener Kunstverein (2000); Fridericianum Kassel (1999).

07.03.2019 - 13.04.2019
„Wo höhere Wesen befahlen“ - Heinrich Nüßlein & Friends
Vernissage: 06.03.2019, 18.00 Uhr - 21.00 Uhr
Künstler: Heinrich Nüsslein, Thomas Helbig, Gotscha Gozalishvili, Andy Hope 1930, Erwin Kneihsl, Thomas Zipp, Markus Selg,

Die Galerie Guido W. Baudach freut sich, unter dem Titel „Wo höhere Wesen befahlen, ...“ eine Serie von Bildern des medialen Malers Heinrich Nüsslein (1879 – 1947) zu präsentieren. Der in ihrer Art wohl einmaligen, ursprünglich aus einer Berliner Sammlung stammenden Gruppe typischer, expressiv-phantastischer Landschafts- und Porträtgemälde des wenig rezipierten Außenseiters sind Arbeiten einiger ausgewählter zeitgenössischer Künstler zur Seite gestellt, deren jeweilige Praxis neben der gemeinsame Vorliebe für bestimmte klassische Sujets und unkonventionelle Gestaltungsformen vor allem durch die Neigung zu intuitiven Setzungen eine gewisse Nähe zu Heinrich Nüsslein aufweist, darunter Gotscha Gozalishvili, Thomas Helbig, Andy Hope 1930, Erwin Kneihsl, Markus Selg und Thomas Zipp.

Doch während Nüsslein in okkultem Aberglauben der Überzeugung anhing, in seinen schnell gemalten Öllasuren übersinnliche Eingebungen aus der Geisterwelt auszuführen, weshalb er sich auch nicht als Urheber seiner Werke begriff und diese weitestgehend unsigniert beließ, trifft man bei den genannten Künstlern der Gegenwart auf keinerlei esoterische Verstiegenheit. Vielmehr praktizieren sie eine rational-kalkulierte Offenheit gegenüber Momenten des Grund- und Absichtslosen sowie des Zufälligen innerhalb des eigenen Schaffensprozesses; eine Offenheit, welche sie ebenso selbstverständlich wie pathosfrei für ihre Kunst nutzbar machen; ganz ähnlich, wie dies bekanntlich bereits die Surrealisten und andere Künstler der Moderne und Postmoderne mit ausdrücklichem Bezug auf insbesondere die Art brut getan haben; allerdings ohne die dabei häufig anzutreffende Ironie und Selbstgefälligkeit, sondern mit echtem professionellen Interesse und aufrichtigem kollegialem Respekt für die Kunst von Außenseitern wie Heinrich Nüsslein.

19.01.2019 - 02.03.2019
Vernissage: 18.01.2019
Künstler: Yves Scherer,

Galerie Guido W. Baudach is pleased to present Boys, the third exhibition of Swiss artist Yves Scherer with the gallery.

Centered around a series of new paintings and a sculpture inspired by footage from a childhood video the show deepens the artist‘s ongoing interest in the male figure, its representation and related ideas of masculinity. Subsequent to Vincent, 2018, a rose colored life-size 3D portrait of the actor Vincent Cassel in beach-wear, on view in our previous group show Manifestations, Scherer in Boys takes a very personal approach to a subject that for him is all the more relevant in times when gender concepts are being re-framed.

A walkthrough starts with a group of large scale portrait paintings showing the slightly blurred face of a little boy. The imagery is taken from the named childhood video presenting the artist himself as a four year old while playing. This taped memory also is the model for another self-portrait in the second part of the gallery space, a hyperrealistic plaster sculpture of a marveling boy. It is surrounded by a group of large scale abstract paintings executed on stretched duvet covers in rose color in which Scherer continues his investigation on picturing the traces of intimate interpersonal relationships. Beside this, there are some small paintings behind glass spread over the entire exhibition. They appear as painterly alienations of the footage from the private video and in a way connect the divergent large scale works, making the portrayed boy look transformed significantly and like he matured to the multiple personality of an adult.

The exhibition is accompanied by an essay by Daniel Lalor titled Boys & The Semblance of Boyhood.

27.09.2018 - 10.11.2018
that`s it
Vernissage: 26.09.2018
Künstler: Erwin Kneihsl,
In die Ausstellung

08.06.2018 - 08.09.2018
Vernissage: 07.06.2018
Künstler: Igshaan Adams, Jared Ginsburg, Bronwyn Katz, Donna Kukama, Turiya Magadlela, Sabelo Mlangeni, Kyle Morland, Cinga Samson, Gerda Scheepers, James Webb,

Galerie Guido W. Baudach and blank projects are pleased to announce an exhibition of works by South African artists Igshaan Adams, Jared Ginsburg, Bronwyn Katz, Donna Kukama, Turiya Magadlela, Sabelo Mlangeni, Kyle Morland, Cinga Samson, Gerda Scheepers, Lerato Shadi and James Webb.

The exhibition arose out of conversations around a gallery swap between Guido Baudach and Jonathan Garnham, who have been friends and colleagues since the ‘90s, which resulted in the invitation to present blank’s programme in Berlin. Curated by Garnham, the exhibition features selected works by represented artists and invited guests, the show offers a vignette of the practices of a group of emerging and established South African artists working today.

Igshaan Adams (b.1982, Cape Town) combines aspects of performance, sculpture and installation in an ongoing investigation of his own identity. The quiet activism of Adams’s work speaks to his experiences of racial, religious and sexual liminality, his use of the material and formal iconographies of Islam and South African ‘coloured’ culture allowing him to develop a more equivocal, phenomenological approach towards these concerns and offer a novel, affective view of cultural hybridity.

With a practice spanning sculpture, drawing, painting, installation and video, Jared Ginsburg (b.1985, Cape Town) seeks indeterminacy or chance operations in his process, allowing him to be surprised by the results of his actions. Ginsburg’s work is conceptually grounded in the ambiguities of perception, time and materiality, and the difficulties of consolidating these aspects.

Incorporating sculpture, installation, video and performance, Bronwyn Katz (b.1993, Kimberley) engages with the concept of land as a repository of memory, reflecting on the notion of place or space as lived experience, and the ability of the land to remember and communicate the memory of its occupation. In her video work Grond Herinnering (2015), Katz reflects on her identity and upbringing, playing childrens’ games and ‘washing’ her feet in the red soil of her hometown “as a way of reminding my feet of where they come from”. The sound accompanying the video is the artist reciting a letter from her grandmother, which recalls memories from Katz’s childhood and other stories.

Donna Kukama (b.1981, Mafikeng) is a Johannesburg-based multimedia artist working in video, sound, and performance. Predominantly performance-based, her work often presents itself as moments within reality that question the way in which histories are narrated, as well as how value systems are constructed. Through creating fleeting moments that exist between reality and fiction, her performances manifest through the unscripted participation of others, and often resist established “ways of doing”. Intended as gestures of poetry with political intent, Kukama’s practice is a strategy for inserting a foreign, ‘alien’, voice and presence into various moments in history, as much as in existing territories of the public.

The oil paintings of self-taught artist Cinga Samson (b.1986, Cape Town) address themes of youth, masculinity and spirituality against the backdrop of Post-colonialism. According to Samson, his artworks engage with the frustrations of young black Africans and their sense of displacement within the nationalistic narrative of social cohesion. Figurative self-portraits, the works depict the artist posed in front of surreal landscapes - composites of his own fantasies and the scenery of South Africa. The dislocation between subject and background lend the paintings a traditional, almost anachronistic feeling. Empty white eyes gaze out at the viewer – as if they were in fact turned inward – suggesting the preeminence of the interior life of the artist-subject over the external world.

Lerato Shadi’s artistic practice explores problematic assumptions projected onto the Black female body and how performance, video and installation can create a space to engage with those preconceived notions, making the body both visible and invisible. Shadi questions how the white cube can be symbolic of spaces of exclusion. How does the location and architecture affect the body that is performing in it? Why is it important to centre - and not just include - the marginalized body as a main figure of narrating experience? Presented as a large-scale wallpaper print, the work is a still from Shadi’s video MATSOGO (2013), in which a pair of hands crumbles a piece of cake and then reshapes it into the same triangle shape that references the beginning slice. Through the process of moving from deconstruction to reconstruction, the essence and consumability of the piece of cake is undermined and lost, as it is recreated into an object, that resembles and has the same elements, as the cake, but has lost its function.

Working primarily with commonly found yet conceptually loaded fabrics, from pantyhose to prison uniforms, Turiya Magadlela (b.1978, Johannesburg, South Africa) creates abstract compositions by cutting, stitching, folding and stretching these materials into various permutations. Her subject matter moves between articulations of personal experience of woman- and motherhood, and narratives from Black South African history.

The black and white photographs of the Invisible Women (2006) series by Sabelo Mlangeni (b.1980, Driefontein) document the working-class women who clean the streets of Johannesburg by night, but who disappear from the city during the day like ghosts; a strange hangover from the days of Apartheid when black women were barred from entering the city at all.

Working across disciplines in sculpture, photography and video, Kyle Morland’s (b.1986, Johannesburg) primary interests lie in forms, the systems that create them, and industrial modes of production. He often sets himself rules, and creates the necessary tools, to realize his ideas which add a set of formal constraints to the creative process and resulting work.

By applying imagery as short-hand for both her own art making process, and specific (cultural) signs and figurations, Gerda Scheepers (b1979, Tzaneen) explores the medium of painting. Content and formal elements of painting are remixed through cut, copy and paste with the results actively pursuing ambiguity. Her paintings, as well as her sculptures, operate like devices for containment that, ultimately and crucially, fail to contain. In Scheeper’s words, “the studio functions somehow as a capsule, where possibilities and restrictions play themselves out.”

James Webb (b.1975, Kimberley) is an interdisciplinary artist whose work ranges from site-specific interventions in public spaces to large-scale installations in galleries and museums. Informed by his studies in advertising, comparative religion and theatre, he often makes use of ellipsis, displacement and détournement to explore the nature of belief, and the dynamics of communication in our contemporary world. Webb’s practice employs a variety of media including audio, installation and text, referencing aspects of the conceptualist and minimalist traditions.

The exhibition attempts to weave together the work of artists from eleven distinct positions. The result is a loose topography that reflects on our time and place, with such diverse concerns as memory, the politicised body, the behaviour of materials, and the poetic moment.

28.04.2018 - 02.06.2018
Vernissage: 27.04.2018
Künstler: Thomas Zipp,

Die Galerie Guido W. Baudach freut sich, zum Gallery Weekend Berlin 2018 ihre achte Einzelausstellung von Thomas Zipp zu präsentieren.

Unter dem Titel Moon Gas zeigt der in Berlin lebende Künstler (*1966) eine raumgreifende Inszenierung, in der sich medial unterschiedliche Komponenten multisensorisch ergänzen. Neben mehreren Malereien verschiedener Materialität und einer ebenso umfang- wie variantenreichen Serie von Papierarbeiten erwartet den Besucher ein zur mobilen Skulptur mutiertes Nutzfahrzeug - alles eingebettet in eine teils interaktive Klang-Installation.

Das kontextuelle Kernstück der Ausstellung bildet eine siebzigteilige Zeichnungsserie, in der Thomas Zipp die für sein Werk so charakteristische Untersuchung der Herausforderung des Schöpferischen durch destruktive Momente in Natur und Technik lustvoll durchdekliniert. Grundlage der Serie ist ein vom Bundesamt für Bevölkerungsschutz und Katastrophenhilfe herausgegebener Ratgeber für Notfallvorsorge und richtiges Handeln in Notsituationen. Ausgezeichnet von einer enorm vielfältigen zeichnerischen und malerischen Bearbeitung der in Einzelblättern auf unterschiedlichen Papiersorten reproduzierten Broschüre präsentiert Zipp hier ein Schlüsselwerk der eigenen künstlerischen Praxis.

Das dominante skulpturale Element ist ein reales und zugleich metaphorisch zu verstehendets Transportmittel, ein Traktor, der in seinem Anhänger kein landwirtschaftliches Gerät, sondern medizinische Lachgas-Flaschen mit sich führt. Dieses Ready Made Remade erinnert mit seinen weiß und schwarz lackierten Bauteilen nicht nur an die konsequente, basale Abstraktion der russischen Avantgarde, sondern lehnt sich zugleich an die Dazzle-Tarnbemalung der britischen Marine des Ersten Weltkriegs an, die in den 1960er Jahren auch Eingang in die aufkommende Op-Art und von dort in die Pop Kultur fand.

Zu der in Moon Gas auftauchenden Kultur- und Technikgeschichte gehört auch ein nachgebauter Moog, ein modulares Synthesizer-System, das die Popmusik in den 1960er Jahren bereicherte. Die Besucher der Ausstellung sind eingeladen, Klänge auf diesem Synthesizer zu erzeugen, der dafür mit einem Theremin, einem um 1920 erfundenen Ätherwellen-Instrument angesteuert wird. Die dabei entstehenden Sounds verbinden sich mit der Geräuschkulisse einer permanenten Klang-Installation. Dazu hat Thomas Zipp mehrere Druckkammerlautsprecher im Raum installiert, wie sie in Fußballstadien oder bei öffentlichen Kundgebungen gebräuchlich sind und unwillkürlich an Massensuggestion denken lassen. Zu hören ist ein Loop aus einem im Jahr 1963 von Dick Hyman veröffentlichten Track mit dem Titel Moon Gas, den man als Space Age Pop bezeichnen kann – eine an Sun Ra erinnernde, aber doch weiße Cocktail-Jazz-Electric-Weltraum-Phantasie, die klanglich sowohl die Inbesitznahme des Erdtrabanten antizipiert, als auch den psychedelischen Eskapismus der Woodstock-Generation. Nicht umsonst zeigt die Einladungskarte zur Ausstellung ein Foto von einer der damals populären Lachgas-Parties.

Die gezeigten Leinwandarbeiten wiederum veranschaulichen in neuer Form Elemente und Motive, wie sie für das bildnerische Vokabular des Künstlers charakteristisch sind. So treffen Malerei-Zitate aus der Kunst des 20. Jahrhunderts auf Themen der Wissenschaftsgeschichte, während geometrische Formstrukturen und Patterns von figürlichen, teilweise vegetabilen Elementen überlagert werden. Bezeichnend dabei ist, dass Zipps neue Malereien mehr denn je als Combine Paintings funktionieren, d.h. als Gemälde, in denen die Bildfläche mit skulpturalen Bestandteilen angereichert ist und die so die gängige Zweidimensionalität überwinden.

Von solcher Mehrdimensionalität bei gleichzeitiger Doppeldeutigkeit gekennzeichnet ist auch das Bild Symmetry (2018). Auf einer geometrisch strengen, von schwarzweißen Dreiecks-Formen scharfkantig rhythmisierten Fläche ist als übermalter Siebdruck das Motiv einer Topfpflanze appliziert. Deren fleischfarbige Stengel und Blätter besitzen die Anmutung eines menschlichen Wesens, welches sich in einer anorganischen Umgebung behaupten muss. Auch das Bild God (2018), auf dem sich Kopf und Arme einer weiblichen Figur mit einem mächtigen Pinselstrich verbinden, zeigt eine menschliche Gestalt. Die Farbspuren an dem Besen, den die Bild-Figur hält, identifizieren die Frau als eine ´neue Eva´, die sich, anders als ihre biblische Vorläuferin, selbst erschaffen hat.

Mit Moon Gas führt Thomas Zipp seine Auseinandersetzung mit der Korrespondenz zwischen der technologischen Entwicklung und der einstigen Vitalität der zunächst als fortschrittlich wahrgenommenen Kunstströmungen des 20. Jahrhundert konsequent weiter fort. So, wie sich der zugleich künstlerische wie industrielle Aufbruch der Moderne, der als ein positives Moment der Weltverbesserung prognostiziert wurde, mittlerweile verflüchtigt hat, treten seit dem Ausklang der Epoche nicht nur die Überbleibsel und Phantasmen des Uneingelösten, sondern auch die Anzeichen einer permanenten Gefährdung hervor. In der künstlerischen Praxis von Thomas Zipp offenbart sich diese dunkle, hauntologische Dimension in einer teils entfesselten, teils gezügelten Dynamik, die ein ganz eigenes, stabil-fragiles Kraftfeld erzeugt.

Thomas Groetz

Thomas Zipp wurde 1966 in Heppenheim geboren. Er hat an zahlreichen internationalen Ausstellungen im In- und Ausland teilgenommen, u.a.: Deutschland ist keine Insel, Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland Ankäufe von 2012 bis 2016, Bundeskunsthalle, Bonn (2018) / The Threshold Problem and Some Possible Ways to Solve It, Cc Foundation & Art Space, Shanghai (2016) / Manifesta 11, Zürich (2016) / Picasso in der Kunst der Gegenwart, Deichtorhallen Hamburg (2015) / Avatar & Atavismus, Kunsthalle Düsseldorf (2015) / 11ème Biennale de l’Art Africain Contemporain, DAK’ART 2014, Dakar (2014) / 55th International Art Exhibition, Comparative Investigation about the Disposition of the Width of a Circle, La Biennale di Venezia (2013) / I knOw yoU, Irish Museum of Modern Art (2013) / Paintings from the Rubell Family Collection, Fundación Banco Santander, Madrid (2012) / If Not In This Period Of Time: Contemporary German Painting 1989- 2010, Museu de Arte de São Paulo (2010) / Sympathy for the Devil: Art and Rock and Roll Since 1967, Museum of Contemporary Art Chicago (2008) / Vertrautes Terrain – Aktuelle Kunst in & über Deutschland, ZKM, Karlsruhe (2008) / 4th Berlin Biennial (2006) / Defamation of Character, P.S.1, New York (2006) / Rings of Saturn, Tate Modern, London (2006) / Actionbutton, Hamburger Bahnhof, Museum für Gegenwart – Berlin (2003). Die nächste institutionelle Einzelausstellung von Thomas Zipp wird in der Kunsthalle Giessen im Herbst 2018 stattfinden.

10.03.2018 - 14.04.2018
lips, pipes & banana
Vernissage: Freitag, 9. März 2018, 18 - 21 Uhr
Künstler: Aïda Ruilova,

Die Galerie Guido W. Baudach freut sich, mit lips, pipes & banana die vierte Einzelausstellung von Aïda Ruilova mit der Galerie zu präsentieren.

Seit den späten 1990er Jahren beschäftigt sich die in New York lebende Künstlerin mit der Schnittstelle von Körper und Bild, insbesondere in Form von Videoarbeiten. In Fortführung und Erweiterung ihrer bisherigen Praxis kombiniert die aktuelle Ausstellung unterschiedliche Medien: Neben der großformatigen Projektion eines digitalisierten 16-mm-Films werden sowohl Papiercollagen als auch eine Gruppe von Glasobjekten gezeigt.

Aïda Ruilova ist vor allem für ihre Videos bekannt, die von eindringlichen Bildern, rhythmischen Schnitten und einem von der experimentellen Popmusik beeinflussten Sounddesign geprägt sind und fast durchweg Referenzen an Genre-Filme der 1960 und 70er Jahre aufweisen. Für das in der Ausstellung gezeigte Video Immoral Tales hat Ruilova eine kurze Sequenz aus dem gleichnamigen französischen Erotik-Film von 1973 reinszeniert. Darin ist in Großaufnahme ein Finger zu sehen, der wiederholt den Mund einer Frau berührt und in ihn eindringt. Dazu hört man erregtes Atmen. Übernatürlich laut hallt es durch die Galerie und bestimmt gleichsam die Atmosphäre der Ausstellung.

Zwei Collagen, die abseits der Projektion installiert sind, greifen das Thema auf. Sie beruhen auf Originalfilmpostern, die Ruilova mittels verschiedener Techniken sämtlicher Textinhalte entledigt und allein auf ihr jeweiliges, nur subtil modifiziertes Motiv, einen weiblichen Torso und eine geschälte Banane, reduziert hat. Leotard und Banana, so die Titel der Collagen, spielen mit der plakativen Bildsprache der Vorlagen und ihrer klischeehaften Darstellung weiblicher und männlicher Sexualität. Ebenso wie Immoral Tales sind sie Aneignung und ironische Brechung zugleich.

Neben dem bewegten und dem ruhenden Bild tritt innerhalb der Ausstellung auch das Wort in Erscheinung, und zwar in Form von mehreren Glasobjekten, die gleich neben den Collagen installiert sind. Hate (zu deutsch „Hass“) oder Liar („Lügner“) heißt es da etwa in voluminösen geschwungenen Lettern, deren typografischer Ursprung wiederum in den späten 1960er, frühen 1970er Jahren liegt. Es ist eine gezielte Kontextverschiebung, die Ruilova hier betreibt. Denn in ihrer transparenten, organischen Erscheinungsform wirken die sonst so provokanten Worte plötzlich zart und zerbrechlich, statt hart und schwer. Zudem aber haben die gläsernen Objekte, die auch als War („Krieg“), Love („Liebe“) und Jealous („Eifersüchtig“) in der Ausstellung auftauchen, sowie, in diesem Fall allerdings komplett figürlich, als ein paar roter Lippen und als kniender weiblicher Akt, eine ganz praktische Funktion: Sie sind voll funktionsfähige Haschischpfeifen. Und wie Worte uns an einen Ort jenseits unserer gelebten Realität versetzen können, so vermögen dies bei entsprechender Anwendung auch Aida Ruilovas Glasskulpturen.

Aïda Ruilova wurde 1974 in Wheeling, West Virginia geboren. Sie hat an der School of Visual Arts in New York studiert. Einzelausstellungen von ihr haben in verschiedenen Institutionen in- und außerhalb der USA stattgefunden, u.a. in The Fortnight Institute, New York (2017) / La Conservera, Murcia, Spanien (2010) / The Hammer Museum, Los Angeles (2009) / Aspen Art Museum, Aspen, USA (2008) / The Kitchen, New York (2007). Daneben hat sie an zahlreichen internationalen Gruppenausstellungen teilgenommen, wie z.B. an Resonance/Dissonance, Frost Art Museum, Miami, USA (2016) / Die kalte Libido – Sammlung Goetz im Haus der Kunst, München (2015) / PUNK. Its Traces in Contemporary Art, CA2M, Madrid (2015) / The Crime was Almost Perfect, Witte de With, Rotterdam (2014) / Pose/Re-Pose, SCAD Museum of Art, Savannah, USA (2012) / Festival of Ideas, ICA, London (2011), BigMinis. Fetishes of Crisis, CAPC, Bordeaux (2011) / Haunted: Contemporary Photography/Video/Performance, Solomon R. Guggenheim Museum, New York (2011) / fast forward 2. The Power of Motion, ZKM, Karlsruhe (2010) / Tarantula, Fondazione Nicola Trussardi, Mailand (2008) / Sympathy for the Devil: Art and Rock and Roll Since 1967, Museum of Contemporary Art Chicago (2007) /Pensée Sauvage, Frankfurter Kunstverein (2007) / Six Feet Under, Kunstmuseum Bern (2006) / Von Mäusen und Menschen, 4. Berlin Biennale (2006) / Uncertain States of America, Fearnley Museum for Moderne Kunst, Oslo (2005) / Greater New York 2005, PS1 Contemporary Art Center, New York (2005).

19.01.2018 - 03.03.2018
Ritratti di donne
Vernissage: 18.01.2018
Künstler: Thomas Helbig,


Die Galerie Guido W. Baudach freut sich Ritratti di donne, die neunte Einzelausstellung von Thomas Helbig mit der Galerie anzukündigen.

Für den Künstler besteht die Herausforderung bei der Arbeit an einem Porträt darin, über das rein Illustrative hinauszugehen und dabei doch so viel Ähnlichkeit herzustellen, dass das jeweilige Werk die Bezeichnung „Porträt“ auch verdient. Darin liegt eine gewisse Ironie: Obwohl es historisch zwangsläufig gewesen sein mag, dass vor allem die Fotografie, aufgrund der ihr inhärenten Eigenschaften, die Verpflichtung zur Ähnlichkeit weitgehend auf sich nahm, bewegen Porträtmaler sich heutzutage irgendwo zwischen den beiden fotografischen Polen Indexikalität und Ikonizität.

Helbigs Porträts sind weder indexikalisch noch ikonisch. Ihren Figuren scheint vielmehr ein dem Empfänger ebenbürtiges Wahrnehmungsvermögen eigen zu sein – Es ist, als wären die Augen in den Porträts selbst Betrachter, die das vor ihnen befindliche menschliche Objekt in den Blick nehmen. Als wesentlichste Konsequenz hieraus ergibt sich eine implizite Verkehrung von Subjekt und Objekt: Der Empfänger wird zu einem fiktiven, visuellen Konstrukt, das von der Figur beobachtet wird.

Bei Helbig korrespondiert diese ontologische “Destabilisierung” mit einer räumlichen Verunsicherung des Empfängers. Diese wiederum ist durch die kreisrunden bzw. nahezu kreisrunden Formen bedingt, durch die hindurch Subjekt und Objekt einander betrachten. Künstler haben in der Vergangenheit anomale Bildräume erschaffen, indem sie – namentlich im Tondo – die gesamte Bildfläche kreisförmig anlegten. Setzt die Illusion perspektivischer Tiefe ein rechteckiges Format voraus, in dem die Orthogonalen der perspektivischen Projektion verankert sind, scheinen die Orthogonalen im Tondo ihre feste Verankerung verloren zu haben. So entsteht ein mediativer, d.h. “vermittlender” Raum, der weder der “realen” Umgebung des Empfängers noch dem zentralperspektivischen Raum in der traditionellen illusionistischen Malerei entspricht. Diese mediativen Raumeigenschaften sind denn auch der Grund dafür, dass in der Kunst des Okzidents für die Darstellung der Jungfrau Maria als Idealbild der Frau immer wieder auf das Tondo zurückgegriffen wurde. Während der Bildraum des Tondos zwischen Realität und Repräsentation vermittelte, fungierte die Jungfrau als Mittlerin zwischen Transzendenz und Immanenz bzw. Wort und Fleisch.

Helbig zeigt in seinen Bildern gleich mehrere Tondi, die nicht eine, sondern mehrere Frauen darstellen. Die Tondi stehen in einem formal-perspektivischen Spannungsverhältnis zu dem rechteckigen Bildraum, der sie umgibt, und erzeugen untereinander eine komplexe Dynamik, die den fiktionalisierten Zustand des Empfängers mit einbezieht – denn wenn die Orthogonalen der Tondo-Porträts instabil sind, so gilt dies auch für den Augpunkt des Betrachters sowie für die Bildebene (die zudem durch den Blickwinkel der porträtierten Frauen umgekehrt wird). Es entsteht der Eindruck, als stünden wir mit je einem Bein auf einem anderen Schiff, das wiederum jeweils ein anderes Meer befährt. Dabei sind wir mal Subjekt und mal Objekt – wie eine Träumerin, die sich bewusst ist, Protagonistin eines Traums zu sein, den sie gleichzeitig als Zuschauerin erlebt.

In der modernen und zeitgenössischen Kunstgeschichtsschreibung gilt der Gemeinplatz, dass nur der Abstraktion das außerordentliche Potenzial innewohnt, komplexe Räume hervorzubringen, vor allem solche, die bis in den Ausstellungsraum hineinzuragen vermögen. Die Tatsache, dass Helbig genau diesen Effekt erreicht, indem er figurativ verfährt, verleiht seiner Werkgruppe eine ebenso fundamentale wie paradoxe Spannung.

Drew Hammond

Thomas Helbig, 1967 in Rosenheim geboren, lebt und arbeitet in Berlin. Er hat an zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland teilgenommen (Eine Auswahl umfasst): Metamorphosis, kuratiert von Zdenek Felix, Kai 10 I Raum für Kunst, Düsseldorf, 2017; 50 Jahre PIN - Freunde der Pinakothek der Moderne, Staatliche Graphische Sammlung München, 2015; Painting Forever!, KW Institute for Contemporary Art, Berlin, 2013; Vages Gefühl des Unbehagens: Thomas Helbig - Victor Man - Helmut Stallaerts, Museum Dhondt-Dhaenens, Deurle, 2013; Alpenrepublik, kuratiert von Veit Loers, Kunstraum Innsbruck, 2012; Stern der Musen, Oldenburger Kunstverein (solo), 2008; Euro-Centric (Part 1), Rubell Family Collection, Miami, 2007; Imagination Becomes Reality, ZKM, Karlsruhe, 2007; Imagination Becomes Reality. Part IV: Borrowed Images, Sammlung Goetz, München, 2006; Rings of Saturn, Tate Modern, London, 2006; Painting on the roof, Museum Abteiberg, Mönchengladbach, 2003.

11.11.2017 - 13.01.2018
Vernissage: 10.11.2017
Künstler: Tamina Amadyar, Sabrina Fritsch, Ina Gerken, Jana Schroeder, Alicia Viebrock,

Die Galerie Guido W. Baudach freut sich, unter dem Titel Quintessenz fünf in Deutschland lebende abstrakte Malerinnen der jüngeren Generation zu präsentieren. Neben Geschlecht, Altersstufe, Medium und Genre eint die Künstlerinnen auch der Umstand, dass sie alle an der Kunstakademie Düsseldorf studiert haben – einem Ort, der für seine ausgeprägte Malereitradition bekannt ist. Jenseits der genannten Gemeinsamkeiten jedoch lässt Quintessenz unterschiedliche künstlerische Sprachen, sowie Haltungen zur abstrakten Malerei deutlich werden, und stellt diese in einem freien Nebeneinander zur Diskussion.

Während insbesondere im letzten Jahrzehnt viele Künstlerinnen und Künstler die Malerei neben anderen, als zeitgemäßer empfundenen oder bewerteten Ausdrucks- und Darstellungsmitteln wie Performance, Film und Fotografie kultiviert haben, scheint eine junge Generation dem periodisch für antiquiert oder gar erledigt gehaltenen Genre mit einer klaren Fokussierung wieder neues Gewicht verleihen zu wollen. Doch was kann diese neue Generation dem viel gescholtenen Medium noch hinzufügen, nachdem die auf Keilrahmen gezogene Leinwand in konzeptueller Erweiterungsabsicht unter anderem bereits mit Brandflecken oder Ziegelsteinen ’bemalt’ wurde? Eine strategische und ironische Be- und Hinterfragung der Malerei, wie sie in Deutschland vor allem in den 1980er Jahren durchgeführt wurde, wirkt heute nur noch bedingt fort. Vormals kritisch-selbstreferenzielle Haltungen tauchen wenn, dann höchstens als formal begriffene Anverwandlungen auf. Daneben und gleichzeitig findet eine lustvolle Aneignung der unterschiedlichen Stile und Sprachen der Malerei des 20. Jahrhunderts statt. Zu dieser bejahenden Haltung gehört auch, dass die Bildfläche in ihrer rechteckigen, zweidimensionalen Begrenzung nicht per se in Frage gestellt wird. Als Resultat des veränderten Umgangs mit dem eigenen Medium und seiner Geschichte zeigt sich eine malerische Vielschichtigkeit, die die Ausstellung Quintessenz beispielhaft anschaulich macht.

Bei Alicia Viebrock, einer Herbert Brandl-Schülerin, haben wir es mit der gestischen, expressiven Variante der Abstraktion zu tun. Kalligraphisch spontane, wuchtige Pinselbewegungen und farbige Einsprengsel auf einer mehrheitlich neutralen oder monochromen Grundfläche rufen Erinnerungen an die informelle Malerei der Nachkriegszeit wach. Teilweise tauchen selbst gegenständliche Anmutungen wie Schiffe oder vegetative Elemente in Viebrocks Tuschebildern auf Leinwand auf, die spielerisch-eruptiv und flüssig-transparent zugleich sind.

Gestik und zeichnerischer Impuls spielen auch bei Jana Schröder eine entscheidende Rolle - wenn auch in einem ganz anderen Duktus. Spannungsvoll überlagert die Albert Oehlen-Schülerin manisch anmutendes Gekritzel mit betont unflüssig und ungelenk-stotternd gezogenen Lineaturen. In ihren monochromen, schwarz-pastosen Gemälden verschmelzen oder versinken diese beiden Ausdrucksweisen zu einem dichten, auratischen Milieu.

Ähnliche zeichnerische Charakteristika treten in den Malereien von Ina Gerken in Erscheinung: das Vorführen ’uneleganter’, gebrochener Farbfäden, sowie impulsive Strichführungen, aus denen eine angespannte Unbedarftheit spricht. Diese sowohl lakonischen, als auch sehr bewusst gesetzten Linien siedelt die Katharina Grosse-Schülerin in einer raffiniert auswuchernden Bildumgebung an, in der unterschiedlich dicht gestaffelte farbige Flecken und Texturen differenzierte Raumtiefen erzeugen.

Weniger linear, sondern struktur- und flächenbezogen sind die verschiedenen Gestaltungsprinzipien folgenden Malereien der Peter Doig-Schülerin Sabrina Fritsch. Ihre vielfältigen Bildgefüge rufen zum Teil konstruktivistische und konkrete Flächenordnungen der Malerei der 1920er bis 1960er Jahre in Erinnerung. Neben geometrischen, organischen oder seriell komponierten Anordnungen finden sich Bildformeln, in denen aufgebrachte, plastisch wirkende Farbmassen mit einem ätherisch-flächigen Kolorismus interagieren.

In den Arbeiten der Tal R-Schülerin Tamina Amadyar wiederum wird der Betrachter mit einer Äquivalenz von leeren und farbig klar definierten Leinwandflächen konfrontiert. Dialogisierende, intensiv-farbige und weich ausschwingende Form-Konstellationen erzeugen rudimentäre, perspektivische Tiefenwirkungen. Das Spannungsfeld aus Schärfe und Unschärfe definierter Abgrenzungen und eine daraus resultierende Mehrdimensionalität bilden ein Wechselspiel, das in dieser Form nur in der Malerei, gleichsam virtuell, in Erscheinung tritt.

Thomas Groetz

15.09.2017 - 28.10.2017
The Cosmic Stage
Vernissage: 15.09.2017
Künstler: Markus Selg,

Markus Selg

The Cosmic Stage

September 15 - October 28, 2017

Die Galerie Guido W. Baudach freut sich, ihre siebte Einzelausstellung von Markus Selg anzukündigen.

Stell Dir vor, Du würdest an einem Theaterstück teilnehmen, das sehr präzise und in einem Moment die Idee des Du, als einzigartig denkendes Subjekt, und die Idee des Anderen, d.h. Deine Mitmenschen, Natur, Ökologie, den Kosmos, das ganze Universum miteinander verschmilzt.

Bei dieser Aufführung bist Du nicht allein Zuschauer, sondern Du wirkst aktiv an der Handlung mit, formst und verwandelst Dich, während Du Dich, ähnlich wie in Jorge Luis Borges’ Bibliothek von Babel, durch verschiedene geistige und materielle Räume bewegst. Diese Erfahrung kann transformativ sein, sie kann ein Tor zu einer anderen Dimension bilden, Deine Wahrnehmung der Realität dauerhaft verändern, ebenso Dein Verständnis der positiven und negativen Aspekte der Wirklichkeit, bewusst wie unbewusst, Dir aber auch aufzeigen, was sichtbar und was unsichtbar ist. Mythos und Erinnerung überlagern sich hier zu dicht geflochtenen Mustern, welche sich immer weiter vermischen und schließlich eins werden.

Das Drama selbst würde sich in mehreren Akten entfalten und auf einer Bühne stattfinden, einer Kosmischen Bühne, der Cosmic Stage.

Am besten beschreiben ließe sich der daraus zu gewinnende Erfahrungsreichtum als eine Reise mit verschiedenen Stationen, die den glücklichen Reisenden vom Chaos hin zu Klarheit führt. Schamanismus, Mystik und Alchemie werden mit mysteriösen Symbolen, futuristischer Bildsprache und psychedelischem Stil verschmolzen und rufen einen einzigartigen filmähnlichen Eindruck hervor.

Man sieht sich an andere kathartische Reisen erinnert: an die Irrfahrten des Odysseus aus Homers Ilias, an Dante Alighieris Göttliche Komödie, die von der Hölle ins Paradies führt, oder auch die alchemistische Transformation, die CG Jung im Konzept des Individuationsprozess erläutert. Jeder Akt hat einen drehbuchgemäßen Anfang und ein Ende, und die Aktfolge ist so konzipiert, dass Du schrittweise und mühelos durch den Transformationsprozess hindurchgeführt wirst. Am Ende eines jeden Akts vermag man einen Klang zu vernehmen, ein Zeichen des Übergangs zum nächsten Aufzug. Die Wesen, denen Du begegnen wirst, sind hybride, archetypisch, göttliche Boten der Wahrheit, deren jeweilige Bedeutung sich aus ihrem Neben-und Miteinander erschließt.

Stell Dir vor, diese Erfahrung würde ewig andauern, oder auch nur einen Augenblick. Die Zeit verschwimmt, Dein Körper schmerzt. Du bist Dir nicht sicher, ob das, was Du hier erlebt hast, real oder virtuell war, digital oder physisch, ob Deine Gefühle spontan waren oder induziert. Doch sobald Du wieder zu Dir kommst, Deine Augen öffnest und in Deinen Körper zurückkehrst, wird Dir bewusst, dass Du auf der Kosmischen Bühne, der Cosmic Stage getanzt hast.

Atme so viel Luft ein, wie Du kannst; halte Deinen Atem an.

Ich zähle bis 10. Wenn ich bei 10 bin, atme aus.

Ein tosendes Geräusch entsteht, wie eine Rakete, die in den Weltraum schießt.

Deine Seele ist davongeflogen.

The Cosmic Stage ist eine Einzelausstellung des Künstlers Markus Selg. Selgs künstlerische Praxis umfasst Skulptur, Performance, Digitaldruck, Ton, Film und Multimedia-Installationen. Sein Interesse gilt dem Auffinden und Schichten von Bildern und Gegenständen, deren unterschiedliche Geschichten, Kulturen und Geographien er miteinander in Beziehung setzt. Wie ein Forschungsreisender des 3. Jahrtausends sammelt Selg auf Reisen sowie mittels digitaler Aneignung alte Mythen und Symbole, driftet von Voodoo-Ritualen zu Schamanismus, oder beschwört Science-Fiction Welten herauf, in denen durch hochtechnologische Produktion Primitives in Psychedelik und Virtualität verwandelt wird. Dabei gehen Selgs Erzählungen oft über klassische Theaterformen hinaus. Sie sind komplex und stellen philosophische Fragen über das Verhältnis von Technologie und Spiritualität, individuellem Bewusstsein und kollektivem Unterbewussten, Archaischem und Gegenwärtigem; sie integrieren fundamentale Dichotomien durch Kontrastierung und rücken somit die Gleichzeitigkeit ins Blickfeld.

The Cosmic Stage ist ein immersives und kathartisches Erlebnis, das seitens des Publikums eine ebenso aktive wie phantasiereiche Teilhabe einfordert.

Attilia Fattori Franchini

23.06.2017 - 02.09.2017
Vernissage: 23.06.2017
Künstler: Philipp Modersohn,

Die Ausstellug wird bis zum 2. September verlängert (nach Vereinbarung)

Das Forschungszentrum SiO2go am Standort Berlin-Tiergarten zielt darauf ab, die verschiedenen Dimensionen skulpturaler Unsicherheit und Instabilität im Kontext geologischer, urbaner und künstlerischer Gestaltungsprozesse zu analysieren und evaluieren. Die Arbeit des Forschungszentrums betrifft die Dynamiken intraaktiver Materien insbesondere in ihrer Bedeutung für die physischen und kognitiven Infrastrukturen moderner Gesellschaften.

Die Antizipation von Zukünften im Umfeld neuartiger Risikoquellen zählt zu den Herausforderungen künstlerischer Recherche heute. Denn antizipative Zeitlichkeit ist ein Kernelement skulpturaler Unsicherheit selbst: urbane Sicherheitsarchitekturen nehmen die Ereignisse vorweg, zu deren Verhinderung sie entwickelt wurden, versetzen Bevölkerungen virtuell in den Katastrophenfall und gestalten die Gegenwart nach Maß der hierbei gewonnenen Erkenntnisse. Die virtuellen Bedrohungen sind somit Teil der sogenannten „kognitiven Infrastrukturen“ metropolitaner Räume und dokumentieren deren konstitutiven Zukunftsbezug.

Allerdings erschweren die verwendeten Materialien oftmals sichere Vorhersagen und damit auch den effektiven Einsatz materieller Vorrichtungen zu Präventionszwecken. SiO2go stützt sich auf den Ansatz der „Neuen Materialismen“, welcher die Forschungslandschaft in den letzten Jahren entscheidend bereichert hat. Demnach lassen Sicherheitsarchitekturen die Beobachter meist im Unklaren darüber, ob der Schadensfall bereits tatsächlich eingetreten ist. So liegen skulpturale Leitsysteme wie etwa Lauflichter bereits ab Werk unter Geröll, Sandsäcke tragen mit ihrer Befüllung auch die Fluten in sich. Zudem führen Druck, extreme Hitze und chemische Substanzen immer wieder zu unvorhergesehenen Materialreaktionen. In verschiedenen Testreihen werden solche Einwirkungen an Stoffen wie Glas, Beton, Silikon, Kunststoff und Erde im Forschungszentrum unter Laborbedingungen untersucht. Dabei kommt dem Siliziumdioxid eine Schlüsselstellung zu. SiO2 fungiert nicht nur als Baustoff in Beton und Sicherheitsglas, sondern liegt als Computerhardware auch den Kalkulationen der antizipativen Katastrophen- und Klimasimulationen zu Grunde. Materielle und kognitive Infrastrukturen kippen an diesem Punkt ineinander.

An solchen Hybridfiguren wird erkennbar, dass skulpturale Sicherheit und Unsicherheit ebenso wie intraaktive Materien keine beobachterunabhängigen Tatsachen sind. Damit steht auch der Glauben an die eigene, isolierte skulpturale Praxis im Forschungszentrum ebenso wie die Validität wissenschaftlicher Erkenntnis und die personale Identität der Mitarbeiter_innen zur Disposition. Umgekehrt ist es das Moment durchkreuzter Antizipationen und in den Experimentalraum eingedrungener „fremder“ Substanzen, vermittels dessen neue Ereignisse, Erkenntnisse und Anwendungen überhaupt möglich werden. Materie selbst ist ein epistemischer Agent. Entsprechend interessiert sich SiO2go auch für das Scheitern seiner Testreihen, durchlöchert den Raum mit verbackenen Fenstern, verstellten Türen sowie blass blinkenden Zeichen, – und schafft so Öffnungen auf ein Außen hin, das sich am ehesten als unvermessenes „Plasma“ bezeichnen lässt.

Für die Zukunft ist es von entscheidender Bedeutung, die Rolle künstlerischer Recherche bei der unwillkürlichen Erzeugung der Phänomene, die sie untersucht, fächerübergreifend zu erforschen. Das Forschungszentrum hat daher das Ziel, erstmals ein umfassendes Bild der Wirksamkeit und Performativität von SiO2go selbst zu gewinnen.

Daniel Falb

Philipp Modersohn, *1986 in Bremen, lebt und arbeitet in Berlin. Studium der Bildenden Kunst an der Universität der Ku?nste, Berlin (2007-2013), Columbia Universität, New York (2009-2010) und der Philosophie an der Universität Potsdam (2006-2007). Ausgewählte Ausstellung sind: Die Punktierung der Sphärenarena, Correction Lines, Tiergarten, Berlin; Spacerologia, Park Manitiusa & Ego Gallery, Posen; Object and Environment, Galerie Guido W. Baudach, Berlin (2014); Tschajka 2, Haus am Lu?tzowplatz, Berlin; Meisterschülerausstellung, Universität der Künste, Berlin (2013); Handlungsbereitschaft II, Kunstsaele, Berlin; Thesis Show, Columbia Universität, New York; 5 seasons, Kleines Modehaus, Berlin; prelude, Junto Gallery, New York (2010); verbacken & verwittern, Oldenburger Kunstverein, Oldenburg, Germany.

28.04.2017 - 10.06.2017
Bewegtes Ich
Vernissage: 28.04.2017
Künstler: Jürgen Klauke,

11.03.2017 - 15.04.2017
Vernissage: 10.03.2017
Künstler: Fuchs Habima, Helbig Thomas, Jerez Renaud, Lemsalu Kris, Ramirez Mary Audrey,

Der Begriff „Metamorphosis“ stammt aus dem Altgriechischen und bedeutet in etwa Verwandlung, Veränderung, Umgestaltung. Im Bereich der Biologie bezeichnet er die kontroverse, mehrere Stadien umfassende Entwicklung bestimmter Lebewesen, wie z.B. von Fröschen oder Schmetterlingen, von der Larve zum finalen Tier. Im Prozess der Verwandlung erhält die anfängliche Gestalt eine völlig neue Identität.

In der um das Jahr 8.n.Ch. verfassten gleichnamigen Dichtung des römischen Autors Ovid werden Geschichten von den Verwandlungen der Götter, Heroen, Menschen, Pflanzen und Tiere erzählt. Zum Leitmotiv wählte Ovid die Idee des essentiellen Übergangs von einem Zustand in den anderen, wobei er antike Mythen, wie jenen von der Nymphe Daphne, die vor den Nachstellungen des Gottes Apollo fliehend sich in Lorbeer verwandelt, in epische Bilder transformiert. Die Bestimmung des menschlichen Daseins wird von Ovid als Folge gegenseitiger Verflechtungen aller Lebewesen und Göttern gesehen, eine poetische Fiktion einer allumfassenden kosmischen Ordnung.

Im Surrealismus erfährt der Begriff „Metamorphosis“ eine Wiedergeburt. Auf dem berühmten Spruch des Comte de Lautréamont basierend, wonach die Begegnung einer Nähmaschine mit dem Regenschirm auf einem Seziertisch unerwartete Emotionen und Visionen hervorruft, wollen die Surrealisten mit Konfrontationen von wesensfremden Dingen die üblichen Zusammenhänge zerstören und die unbewussten Vorstellungsebenen befreien. Die so entstehenden, plötzlichen mit neuen Inhalten aufgeladenen Bilder sollen den scheinbar logischen Strukturen des üblichen „Sehens“ eine surreale, hellseherische Wahrnehmung entgegen setzen.

„Der Teufel, sage ich, bewahre die surrealistische Idee davor, jemals ohne Metamorphosen auskommen zu wollen“, postuliert André Breton 1930 in „Second Manifeste du Surréalisme“.

Für die an der Ausstellung Metamorphosis teilnehmenden Künstler und Künstlerinnen spielen die Beziehungen zwischen dem Mythischen und Weltlichen wie auch die surrealistische Unversöhnlichkeit zwischen dem Bewussten und Unbewussten eine eher geringere Rolle. Sie sind jedoch auf individuelle Art und Weise in ihren Werken mit den Verwandlungen von Formen, Materialien, Körpern, Ideen und Substanzen beschäftigt. Die Regie der Ausstellung konzentriert sich auf die dreidimensionalen Werke der beteiligten Künstler, wodurch die spezifische Rolle der Verwandlung als gestalterisches Prinzip in den einzelnen Arbeiten deutlich zum Ausdruck kommt. Die Auswahl umfasst fünf zeitgenössische Positionen aus fünf europäischen Ländern.

Die tschechische Künstlerin Habima FUCHS (*1977, Ostrov) ist Bildhauerin, Zeichnerin und Keramikerin, beteiligt sich an Filmen und Installationen. Ihre Aufenthaltsorte wechseln zwischen Tschechien, Deutschland, Frankreich und Italien, eigentlich führt sie das Leben einer Kulturnomadin. Den Stoff für ihre Arbeiten entnimmt sie Mythen und Legenden unterschiedlicher Herkunft, wobei sie sich hauptsächlich mit spirituellen Inhalten beschäftigt. Ihre „Futurologisten“ nehmen die Position von meditierenden Buddhas an. In der keramischen Skulptur Pratyupanna, 2014, die in der Galerie Baudach gezeigt wird, verwandelt sich eine mächtige Schlange mit einer Anzahl von Tentakeln in ein bedrohliches Lebewesen, das an die unter Wasser domestizierten Anemonen erinnert. Aus dem festen Körper der Schlange entwickeln sich schließlich 84 Einzelteile. Der so multiplizierte Körper ermöglicht, den Worten der Künstlerin zufolge „eine bessere und komplexere Wahrnehmung“ der Umwelt. Eine eher „humane“ Metamorphose erfährt in Transformations / Wild Abundance, 2012 die kauernde weibliche Figur mit maskenhaftem Gesicht, die ihr überdimensionales Geschlecht wie Schild und Angriffswaffe zugleich vor sich her trägt. Sie ist die „Baubo“ - Fruchtbarkeitsidol und Dämon in einem.

Thomas HELBIG (*1967, Rosenheim) ist ein deutscher Maler, Zeichner und Bildhauer. Zu Beginn seiner Karriere nutzte Helbig das formale Potential der Moderne, um mit deren Formvokabular zu spielen und es gleichzeitig zu dekonstruieren. Seine collagierten Skulpturen aus den letzten Jahren zeigen eine andere Art der Transformation des benutzten Materials. Dabei bedient er sich aus dem Fundus der ausrangierten, weggeworfenen Dinge, aus dem Zivilisationsmüll, wie auch aus den Regalen der Deko-Abteilungen von Warenhäusern, die kitschige Skulpturen, Vasen oder Spielzeuge aus Kunststoff feilbieten. Deren meist hohle Formen zerbricht Helbig und verschweißt die Bruchteile zu neuen Objekten, die er anschließend bemalt. Erkennbare Elemente wie Hände, Köpfe, Brüste oder Füße tauchen neben Fragmenten von anonymen Skulpturen, Spielzeugen und Masken auf.

Es entstehen Assemblagen von starker symbolischer Wirkung. Mit vagen Andeutungen erinnern sie an ihre eigene Vergangenheit, verunklären sie jedoch und peilen neue Zusammenhänge an. Bezüge zu Star-Wars-Filmen stellen sich ebenso ein, wie jene zum Vokabular des mit Helbigs Biografie verbundenem süddeutschen Barock, eine Anmutung, die in den letzten Skulpturen durch die Verwendung von farbigen Stoffen, wie etwa rotem Samt, unterstrichen wird. Eher noch als Religiosität blitzt hier aber jener absurde Humor auf, der an die „Beunruhigenden Musen“ der „metaphysischen“ Szenerien eines Giorgio de Chirico denken lässt.

Der französische, in Paris und Basel lebende Künstler Renaud JEREZ (*1982, Narbonne) hat sich in den letzten Jahren einen Namen als Autor verstörender Installationen und Assemblagen aus Metall, Draht, Bleirohren, isolierten Kabeln und anderem industriellen Material gemacht. Obwohl er die „virtuellen Realitäten“ des Internets durchaus reflektiert, verlässt er sich in seinen Skulpturen hauptsächlich auf die sinnlich greifbaren Dinge, mit der Absicht, diese in ihren Strukturen zu enthüllen.

Es geht ihm, mit seinen eigenen Worten, um „bodies contaminated by consumerism“, zu dessen Quellen die Produktion und der Konsum von Video-Spielen, Science-Fiction-Filmen und computergesteuerten Avataren gehören. In all dem, was die virtuelle Phantasie in Massen frei setzt, entdeckt Jerez den Stoff für seine Werke. Er arbeitet mit Gegensätzen: einerseits schafft er aus dem zivilisatorischen Schrott und Abfall die „Cyborgs“ der virtuellen Welten, andererseits enthüllt er die biologische Infrastruktur der menschlichen Körper als Maschine, die der Virtualität zum Trotz immer noch als Träger der Kommunikation zwischen Mensch und Welt funktioniert. Im Zuge der Metamorphose von einem Zustand in den anderen weisen Jerez‘ Androiden und Roboter auf ihre biologische Vergangenheit hin, entwerfen jedoch auch ein dystopisches Modell einer verkehrten Evolution, in der sich die Erzeugnisse des Menschen verselbständigen und in eine fremdartige Anti-Welt verwandeln.

Die estnische Künstlerin Kris LEMSALU (*1985, Tallinn) ist Keramikerin und arbeitet bevorzugt mit den Medien Installation und Performance. Anlässlich der Frieze in New York 2015 verharrte sie mehrere Stunden lang auf dem Bauch liegend unter einem riesigen keramischen Schildkrötenpanzer. Zu sehen waren nur ihre nackten Füße, Hände und ein Haarschopf, ein Manifest der Einsamkeit, Isolation und Verdrängung des Individuums innerhalb der heutigen Gesellschaft und speziell des Kunstbetriebes. Die in der Galerie Baudach gezeigte Skulptur Car2Go, 2016 ist eine komplexe Installation aus mehreren Teilen. Zunächst sieht man einen „Engel“, dessen Flügel aus den beiden Seitentüren eines Autos bestehen. Sein mit einer blauen Bettdecke verhüllter „Körper“ lässt in der Mitte den Blick frei auf zwei keramische Wolfsköpfe und darunter prangende, entblößte Frauenbrüste, die von zwei Händen gehalten werden; ein Gegensatz, der religiöse wie auch existentielle Konnotationen evoziert. Kleine Figuren mit gelben Regenschirmen in der Umgebung beziehen sich indirekt auf die Demokratiebewegung „Umbrella Movement“ in Hongkong. Zugleich klingt hier das Erlebnis einer Begräbnisprozession armer Menschen in Sri Lanka mit, die Kris Lemsalu verfolgen konnte. Car2Go wurde von der Künstlerin bei der Erstpräsentation zum Gegenstand einer Performance umgewandelt. Dabei umarmte sie die Engelsgestalt, um langsam zu deren Füßen herunter zu gleiten; eine eher tragische, an die Beweinung Marias am Kreuze gemahnende Geste oder ein Kommentar zur aktuellen politischen Lage schlechthin.

Die aus Luxemburg stammende und in Deutschland lebende Künstlerin Mary-Audrey RAMIREZ (*1990, Luxemburg) studierte Multimedia an der Universität der bildenden Künste in Berlin. Im Zentrum ihres Interesses stehen skulpturale Arbeiten und Installationen. Für ihre früheren zweidimensionalen Bilder entwickelte sie eine besondere Technik: Mit Hilfe einer Nähmaschine schuf sie auf einer Leinwand oder Rupfen lineare Gebilde, die zunächst spontan entstanden, um sich im Laufe des Nähens in lesbare Konfigurationen zu verwandeln. Es sind rätselhafte, von Menschen und Tieren bevölkerte Szenerien, deren Akteure sich miteinander verweben und in metamorphischen Begegnungen ihre Identität wechseln. Leben, Empathie und Sexualität begegnen der Gewalt und dem Tod, Tiere greifen andere an und werden selbst gefressen. Diese düsteren Szenarien werden jedoch spielerisch gebrochen und ins Märchenhafte überführt. Seit 2013 entstehen plastische Arbeiten, meist thematisch auf die Übergänge zwischen dem Antropomorphen und Animalischen konzentriert. Bei ihren Recherchen entdeckte Mary-Audrey Ramirez für sich die Welt des in Europa immer noch existierenden Volksbrauchtums, besonders jener bei ländlichen Fasnachten und Karnevalsritualen getragenen Masken und Kostüme, mit denen sich Menschen in Tiere, Pflanzen und wilde Geister verwandeln. In einigen ihrer Performances und skulpturalen Werke bezieht sie sich auf diese Inspiration. Große und kleine Tiere wie Flamingos, Pelikane, Hängebauchschweine, Tapire, Rochen und Füchse treten bei Ramirez wie in „Alice in Horrorland“ in doppelbödigen Rollen auf. Sie nehmen menschliche Verhaltensweisen an, verharren jedoch in der eigenen animalischen Welt, die ihnen letztlich die Oberhand über den Menschen gewährt.

Zdenek Felix, Februar 2017

21.01.2017 - 04.03.2017
10,000 hours
Vernissage: 20.01.2017 18 Uhr
Künstler: Tamina Amadyar,


Die Galerie Guido W. Baudach freut sich, ihre zweite Einzelausstellung von Tamina Amadyar zu präsentieren. Unter dem Titel 10,000 hours zeigt in Berlin lebende Künstlerin eine Serie von Gemälden, die um die Jahreswende 2016/17 entstanden sind und eine konsequente Weiterentwicklung ihrer bisherigen malerischen Praxis darstellen.

10.000 Stunden (oder 416 Tage) gelten nach der These des Publizisten Malcolm Gladwell als Zeitraum, den ein junger Erwachsener aufbringen muss, um eine erlernte Fähigkeit durch Übung zur Meisterschaft zu bringen. Die Ausstellung stellt diese Vorstellung in Frage. Seit ihrem Studium an der Düsseldorfer Kunstakademie überträgt Tamina Amadyar persönliche Erinnerungen an Räume und Orte in das Medium der Malerei und führt dabei verschiedene Stilrichtungen vom abstrakten Expressionismus über Minimalismus und Pop-Art bis hin zur zeitgenössischen Abstraktion zusammen. Ihre aus der Erinnerung mit selbstgemischten Farben und breitem Pinsel auf ungrundierter Leinwand ausgeführten Raumbilder haben gleichwohl universellen Charakter. Zudem stellen sie trotz aller Reduktion der Darstellung stets die Frage nach dem, was dahinter, im Verborgenen liegt. Die Antwort darauf überlässt Tamina Amadyar dem Betrachter. In Verbindung mit einer Pinselführung, die als Teil des künstlerischen Ausdrucks deutlich sichtbar ist und zudem bewusste Aussparungen auf der Leinwand zulässt, verleiht die daraus resultierende formale Spannung zwischen Setzung und Offenheit der Malerei von Tamina Amadyar eine ganz eigene Qualität, welche insbesondere in ihren jüngsten Arbeiten deutlich hervortritt. Zwar führen die einzelnen Werke teils konkrete Ortsbezeichnungen im Titel an, doch erscheinen die gemalten Erinnerungen daran mehr denn je als innere Bilder. Dabei tritt das Lineare, Statische stärker in den Hintergrund und macht dem Freien, Dynamischen Platz. Was sich zeigt, sind Bilder, die, wenngleich sie auch auf einer dem Malprozess vorhergehenden Erfahrung beruhen, eine solche auch aus ihrer reinen Betrachtung selbst heraus ermöglichen.

Tamina Amadyar wurde 1989 in Kabul geboren und studierte an der Kunstakademie Düsseldorf. Sie erhielt u.a. folgende Stipendien: Hooper Projects Los Angeles (2015), Helmut E. Kreutzer Stiftung (2013-2014), Rölfs Partner Stipendium (2013), Stipendium der Heinrich-Böll Stiftung e.V. (2009-2015). 2016 wurde sie zudem für die Forbes Liste „30 under 30“ ausgewählt. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin.

12.11.2016 - 14.01.2017
Vernissage: 11.11.2016
Künstler: Thilo Heinzmann,

Die Galerie Guido W. Baudach freut sich, die achte Einzelausstellung von Thilo Heinzmann mit der Galerie zu präsentieren. Unter dem Titel Morbidezza zeigt Heinzmann zwölf neue Bilder. Erstmals sind hier die drei Werkgruppen, Pigmentbilder, Aicmos und Colour Aicmos, zusammen zu sehen.

Die Pigmentbilder bestechen durch die Leichtigkeit ihrer Komposition sowie durch ihre sinnliche Komplexität. Ungebundene Pigmente sind hier direkt auf ein in eigener Weise verändertes Leinengewebe gebracht. So ungegenständlich diese Bilder sind, so sehr feiern sie den Akt des Malens selbst.

Innerhalb der Ausstellung fungieren die Pigmentbilder als Klammer für zwei weitere Werkgruppen – beide auf industriell hergestellten, weißbeschichteten Aluminium-Wabenplatten ausgeführt. Diese Aicmos und Colour Aicmos benannten Bilder weisen Spalten und Öffnungen auf, wie bereits frühere entsprechende Arbeiten Heinzmanns. Jedoch mit dem Unterschied, dass bei den Aicmos ein neuer Charakter der Schnitte, zu welchen nun auch Rillen, Kerben, Kratzer, Dellen und Kuhlen hinzukommen, den Arbeiten zu einer direkteren Bildsprache verhilft. Wie sich hier Zeit und Geschwindigkeit einschreiben, ist in seinem Duktus jenem Mal-Prozess nicht unähnlich, an dessen Ende auch die Pigmentbilder stehen. Heinzmann gelingt es, das Lebendige der malerischen Geste in die Trägheit des industriellen Bildträgers zu zwingen. Der frappierenden Offenheit dieser Bilder steht die Entschiedenheit gegenüber, die aus den in ihnen anzutreffenden malerischen Setzungen spricht. Dergestalt fordern sie den Betrachter ganz unmittelbar zu einer Positionierung heraus.

Die gezeigten Colour Aicmos hingegen, bei denen Heinzmann mit verschiedenen Pigmenten gefärbte Kunstharze auf das Aluminium bringt, folgen einer anderen Konzeption: Hier begegnet man leuchtend-glänzenden Farbschlieren auf matt-weißer Fläche, die teilweise in die Schnitte, Spalten und Schlitze hineingelaufen sind. Die Kompositionen wirken ungezwungen, aber nie unkontrolliert. Sie spielen mit der Einbildungskraft des Betrachters, verführen mit ihrer Materialität, Modernität, Direktheit und Schönheit.
In die Ausstellung

16.09.2016 - 31.10.2016
Vernissage: Friday, 16 September 2016, 6 - 9pm
Künstler: Yves Scherer,

Guido W. Baudach is pleased to present Yves Scherer`s second exhibition at the gallery.

Titled Single, the show is less a take on celebrity culture and the influence of the internet on our everyday life that we saw in his exhibition Closer in 2014 but an intimate and quite personal reflection of what it means not to be in a serious romantic relationship with someone. With an invitation image that features the artist as a semi-nude in front of a pink backdrop, the exhibition here at the same time is used as a tool or a medium to find the matching other half as it is a take on the role of the male in our society.

Lacking the sophisticated production of earlier series, the sculptures presented here instead have a very immediate and readymade feel to it. Culling materials from his everyday life Scherer here waves together life-style products with discarded and ephemeral materials, fur and stuffed animals with kitchen appliances and bathroom gear. Found and appropriated objects are arranged into larger compositions or almost space collages. These pieces are figurative though. It’s people, snapshots of types or characters that make the life game as a single which are portrayed here. And while there’s an Iphone in hand, numbers on the wall and a flatscreen playing, african masks as well as materials like plaster, jute and wood take these figures to a look or point which stands beyond a specific spatial or temporal structure, but at their best emanates a sort of idiosyncratic contemporaneity. At the same time it’s uneasy contradictions in material combinations, the subject matter and the partially animal origin of the works which add a sometime slapstick as well as a more profound humor that lays over the exhibition as a whole.

The paintings on the other hand have a different feel to it: Almost uniform in color they oscillate between backdrop and fully articulated piece. It seems as if Scherer is himself trying to find their position in relation to the figures - as well as the audience. Although for the Number Paintings (2016) for example this is quite clear: Casually sprayed on panels the paintings that feature Scherer’s american phone number the pieces work as a sort of pick-up paper, a note with your number on which you give to the guy or girl you catch a glimpse from in the subway, before disappearing back into the comforting realm of the alone. Or it could be writing it on the arm of someone, with the pink color as an indicator for flesh. This connection is made strongest with Lamp (2016), a work produced in collaboration with Wilddogs International, which - along works like Bachelor or Tatami (both 2016) - bridges the sculptural language with the painterly gestures in the show into one of Scherer’s signature environments.

While Single here so far was discussed as an absence or deficiency, the show is at many points an exact celebration of the time spent alone and with all the casual partners along the way. It’s in the far back of the space that there are images of personal friends of the artist, depicting them on the trip to the swiss countryside. And reading from Here with me (2016), a video work that is shown on a large screen in the middle of the room, where the artist himself is seen trapped in a hostile place, only covered in a piece of fabric and kidnapped by a faceless villain, it’s the love and the ties between friends that saves the day.

Yves Scherer (b. 1987 in Solothurn, CH) is based in New York City. He graduated with an M.A. in Sculpture from London’s Royal College of Art in 2014 and also holds a B.A. in Sciences of Culture from the University of Lucerne. Recent solo exhibitions and projects include: East of Eden, Galerie Guido W. Baudach, Berlin (2016); Snow White and the Huntsman, José Garcia, Mexico City (2016); Couples, Studiolo, Milan (2015); Honey Moon, Swiss Institute New York (2015), Where Is The Love, ExoExo, Paris (2015); Days at Sea, Carl Kostyal, London (2015); Little Mermaid, Art Parcours, Basel (2015); Closer, Galerie Guido W. Baudach, Berlin (2014); Coney Island, S.A.L.T.S., Basel (2014).

04.06.2016 - 23.07.2016
East of Eden
Vernissage: 03.06.2016, 18 Uhr
Künstler: Grear Patterson, Yves Scherer

29.04.2016 - 23.07.2016
Andy Hope 1930
Black Fat Fury Road
Künstler: Andy Hope

15.03.2016 - 16.04.2016
Maya Bloch
Life goes on without me
Künstler: Maya Bloch

27.04.2013 - 01.06.2013
Thilo Heinzmann
Künstler: Thilo Heinzmann

09.03.2013 - 19.04.2013
Melancholia (Systema Saturnium)
Björn Dahlem
Künstler: Björn Dahlem

19.01.2013 - 02.03.2013
group show
Heinzmann Johnson Zipp
Künstler: Thilo Heinzmann, Rashid Johnson, Thomas Zipp


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